Archive for the ‘ Y más ’ Category

Country Fictions. Juan Aballe

Juan Aballe. Country Fictions

Restaurante ‘La Tía Pura’, La Mancha, 2011.

La ilusión de escapar de la sociedad contemporánea, los mitos y esperanzas construidos alrededor de la naturaleza se unen a la extrañeza y la nostalgia de mirar a una vida que quizás nunca llegue a vivir.

Country Fictions. Juan Aballe

Eva, 2011.

Es prácticamente seguro que las buenas fotografías surgen de las palabras, de las palabras bien dichas. Lo que ocurre, lo que acontece, genera palabras, a continuación llegan las fotografías. Es necesario hablarlo antes, es muy difícil hacer fotografías sin haberlo dicho antes, es complicado ver sin decir. Ver es hablar con una cámara, es necesario el universo de las palabras y también el de la visión, tan diferentes, son profesiones diferentes. Para ver es necesario ser fotógrafo, ello implica un decir visual, un expresar sin palabras, un idioma que muestra pero no explica, tan sólo el poder de lo visual, es necesario un pensamiento visual, lo visto sin ser descifrado, no se habla como lo hacen los escritores de palabras, no es traducible. Es necesario ser fotógrafo. Una vez conseguido ello, comienza nuestra narración.

Eduardo Momeñe, ensayo sobre Country Fictions.

Country Fictions. Juan Aballe

Dani y Marisol, 2012.

¿Qué te impulsó a comenzar Country Fictions?

El proyecto surgió en un momento de mi vida en que varios amigos se planteaban ir a vivir al campo y esa idea se convirtió en una opción real. Era un pensamiento que en parte me ilusionaba, pero también sentía que mi relación con la naturaleza tenía una fuerte carga de idealización. Country Fictions se fue convirtiendo en una manera de explorar mi relación con el medio rural y de lidiar con esos sentimientos contradictorios desde lo visual.

La fotografía me permitía también lanzar al aire muchas preguntas que yo mismo me hacía al respecto y reflexionar sobre varios temas que me interesaban. Desde el concepto de paisaje o el abandono del campo hasta la necesidad humana de creer en algo mejor, todos ellos son hilos conductores del proyecto.

Country fictions. Juan Aballe

La cama de Urs, Pirineos, Navarra, 2012.

¿Ha cambiado la relación que tenías con la naturaleza después de hacer este trabajo?

Más que cambiar mi relación con la naturaleza creo que a través del proyecto he logrado comprender mejor esa relación. La realización y la edición de las imágenes durante varios años implica ir tomando muchas decisiones, de manera que el trabajo fotográfico al final define mucho más a quien toma esas decisiones que al mundo que fotografía. En ese sentido Country Fictions ha sido un proceso de aprendizaje.

Además de las imágenes, la vivencia personal, los lugares y las personas que he conocido también me han enseñado mucho. Indagar en la relación con la naturaleza lleva a preguntarse sobre las necesidades sociales y personales, la gestión del tiempo, el trabajo o la capacidad de renunciar a ciertas cosas.

Country Fictions. Juan Aballe

Eva, 2012.

¿Cómo te diste cuenta de que el trabajo ya estaba terminado? 

Llegó un momento en el que sentí que todo lo que quería decir estaba dicho, estaba en los negativos. A partir de entonces se trataba de empezar a descartar elementos e ir a lo esencial. Mi objetivo era hablar desde la sencillez para lograr transmitir emociones a veces complejas.

El proceso de edición fue bastante largo ya que decidí dejar reposar las imágenes y enfrentarme a ellas semana tras semana durante meses para saber de cuáles podía prescindir y cuáles aguantaban el paso del tiempo. Por otro lado el reto era encontrar un equilibrio en la selección y secuenciación de las imágenes que comunicara lo que yo quería pero dejara suficiente espacio de interpretación al espectador. Podría haber seguido editando indefinidamente pero después de un año decidí que tenía que sacar el proyecto a la luz. Hablando de su proceso creativo en el cine, Jim Jarmusch recordaba una cita de Paul Valéry que decía: “Un poema nunca se termina, sólo se abandona”. Creo que esa idea define bastante bien mi experiencia con la edición de Country Fictions.

Country Fictions. Juan Aballe

Valle en Asturias, 2011.

¿Qué influencias has tenido a lo largo de este proyecto? 

Cuando comencé con Country Fictions estaba muy interesado en el paisaje como construcción cultural. La primera fotografía que realicé del proyecto es el paisaje que aparece en primer lugar y fue la que me animó a seguir adelante durante los primeros meses. Me interesó mucho el libro Breve tratado del paisaje de Alain Roger, que habla del paisaje como “artealización” ajena a la naturaleza. Gracias a un taller con Simon Norfolk empecé también a interesarme por la simbología de los paisajes de Claude Lorrain y su influencia en los románticos o los pintores de la Escuela del Río Hudson.

En cuanto a los retratos, las influencias creo que son más fotográficas, con numerosas referencias a la tradición documentalista que traslado al contexto del proyecto.

Es difícil hablar de autores en concreto porque las influencias visuales y literarias son muy diversas y evolucionan a lo largo del tiempo. Pero si tuviera que elegir una novela probablemente sería La carretera, de Cormac McCarthy.

Country Fictions. Juan Aballe

Depósito y olivos, La Mancha 2011.

Recomiéndanos un libro.

El antropólogo inocente de Nigel Barley. Es la crónica de un etnógrafo británico que se traslada a África para convivir con una tribu poco conocida. Aunque aparentemente no tenga nada que ver, creo que es un libro muy recomendable para fotógrafos.

Country Fictions. Juan Aballe

El valle, Pirineos. Navarra, 2012.

Country Fictions acaba de ser publicado por Fuego Books, una editorial de fotolibros lanzada por Ángela y Gustavo Alemán cuya intención es hacer “libros hermosos, libros peligrosos, libros que queman.” Con Country Fictions, su primera publicación, lo han conseguido y ya ha entrado en la lista de los 35 mejores fotolibros del año de Andy Adams y está entre los 10 favoritos de C.A.P.E

Country Fictions de Juan Aballe

Web de Juan Aballe

‘After All’ by Nicolas Feldmeyer

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I think there are influences behind the work coming from sublime, romantic painting, Land Art, minimalism and Sugimoto amongst others. I have been exploring these themes for years, in a lot of different scales and media, from drawings to installations, and also videos. For this particular work I was also inspired quite directly by the beautiful charcoal drawings of Reece Jones. I used the same composition, but thanks to the computer technology I wanted to add this ambiguity with the photographic language: something of gigantic dimensions but depicted with the truth and accuracy of photography. Technically it is a 3d digital rendering, with a rectangular slice of light inserted into a terrain model, and defined as the light source.

I guess it all has to do with contemplation. You know, the peace of mind that you get when you contemplate the things no one can change. It is a feeling of being very little and at the same time somehow connected. Of course the work is open for interpretation, but what I secretely hope is that people would get a bit of that, a glimpse into the great silence.

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Reece Jones

Web de Nicolas Feldmeyer

Traducción al castellano.

Martina Hoogland Ivanow. Demasiado cerca

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Far too close comenzó como una investigación personal sobre mi relación con el viajar, y sobre el viajar como un método de creación de trabajo. ¿Por qué es necesario viajar lejos para adentrarse en uno mismo? Y, ¿por qué es mucho más fácil, por lo menos para mí, describir lo que está lejano geográficamente que lo que está más cercano emocionalmente?

Martina Hoogland Ivanow

Es un trabajo sobre la distancia emocional y geográfica. Las imágenes de mis viajes a los extremos más lejanos de los continentes son solapadas con imágenes de interiores de mi casa, de familia y de amigos. Hay fotografías de Siberia, de la Isla de Sakhalin, de la Tierra del Fuego y de la Península de Kola en Laponia rusa que tomé entre 2001 y 2005, e  imágenes de Estocolmo, que hice del 2006 al 2008.

Martina Hoogland Ivanow

Son  lugares al final de los continentes o lugares donde la gente, por la percepción de estar lejos, tiene escondidas cosas que no quieren que sean encontradas. Por ejemplo, en la península de Kola, en el norte de Rusia, hay bases militares, prisioneros… es un lugar donde se esconden desechos nucleares y cosas parecidas. Estos lugares tienden a ocultar historias oscuras.

Martina Hoogland Ivanow

También está el punto de vista poético de sentirte más cerca de ti mismo en estos lugares inhóspitos, y por ello atraen a ciertas personas.

Martina Hoogland Ivanow

Al principio miraba un mapa y empezaba a investigar sobre un lugar, luego iba allí por un par de semanas y veía lo que podía encontrar. Al final fui más específica con lo que trataba de encontrar, pero esto me ocurre con todos mis proyectos. En un principio intento ser un poco más indecisa y según me acerco al final intento estar más centrada.

Martina Hoogland Ivanow

En Estocolmo me di cuenta que las cosas que pude compartir y ver en algunas casas de mis parientes, libros, interiores, una almohada o telas, eran las mismas cosas que encontraba en mi propia casa. Tal vez estaban relacionadas con un vínculo familiar, más que con una cercanía emocional. Así [con imágenes] traté de describir el lugar, en vez de la cercanía a la persona o la intimidad.

Martina Hoogland Ivanow

Era consciente de estar haciendo las cosas de cerca, tan cerca que no se podía ver nada. Estaba tratando de describir esa falta de perspectiva, la ironía de que es más difícil ver las cosas que están muy cerca de nosotros.

Martina Hoogland Ivanow

La oscuridad es una forma de abstraerse, o de dar una atención especial a ciertos detalles. (…) A veces encuentro mejor reducir la información antes que dar demasiada.

Martina Hoogland Ivanow

La edición y la selección del libro fue una experimentación con el ritmo de la perspectiva, una exploración de dos posiciones aparentemente opuestas de proximidad, a través de la experiencia de cercanía y de la distancia.

Martina Hoogland Ivanow

Hay unas imágenes que especialmente simbolizan esto para mí, como el niño en el aire con zapatos plateados, la escalera en el agua, las dos hermanas de la portada (mi abuela y su hermana) o el caballo en busca de contacto con los ojos.

Martina Hoogland Ivanow

Es una meditación visual, tanto física como emocional, de cercanía a un tema y la lejanía a un lugar.

Martina Hoogland Ivanow

Fuentes:

Julie Cirelli

Dossier Journal

Another

Martina Hoogland Ivanow

martina hoogland ivanow

Interview with Dayoung Kang

강다영 Dayoung Kang was born in 1984 in Hong-Sung, Korea. She is majored in photography and has taken part in several exhibitions in European countries (Finland, Slovakia, Germany).

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Picture from Condensed Memory

Could you please tell us shortly how you started taking photographs?

I’ll skip this question. It actually does not come to my mind.
(Two weeks later)
Ok, I’ve thought about my past for the last two weeks. I am still not very sure, but now I have a lover. There is a chance that I started taking photographs to meet this person. It’s so romantic. I’ve actually always been a romanticist.

Your work Swallow, talks about anonimity / identity. Why don’t you show people’s faces in your photographs?

I understand there are lots of words to describe how I photographed. Yet I did so just because I wanted to. I personally prefer quietness, but showing faces in pictures can be rather noisy. Covering people’s faces soothed myself and made it possible to tell more stories. I am one of those people who find the potential to tell more stories from invisible parts.

Swallow

Picture from Swallow

The pictures in Swallow seem to be printed in fabric or seem to be a Polaroid transfer. I find the results really interesting and I think all our readers would like to know the way you work to get that effect in the post-processing. Could you please explain it to us?

I’m afraid to say that I once failed actually to paste emulsion on a Polaroid transfer and fabric. This work was digitally retouched after scanning the Korean traditional paper. I was attracted to the texture and tone wedge of the Korean traditional paper. Other than the Korean traditional paper, retouching any vintage-style paper would make a similar effect.

In your work Condensed memory there’s something mysterious, something unpredictable inside the everyday life. What moved you to take these pictures?

I’m focusing on the boundary, I mean, something ambiguous and anxious. Sometimes I feel pressure due to the hurt from a kind of relation or anxiety that I can’t define correctly. Actually, I believe it would be better if I just hide or run away. But everyone has something that can’t talk about, everyone has some memories in which they try not to think at all. So do I. I’m working under the theme, ‘anxiety’. Memories pull out them and make anxiety although time goes on.
My photographic act (l’acte photographique) is begun from them. The world in my eyes is not the mirror about reality, but the mirror about the anxiety I can’t define inside me. And I want to take photos from those mirrors. My thoughts may be impossible to communicate because that is a too private action. However, I work on an extension of the memories from the past now, and I hope to solve the answer about my anxiety not cognizable as the act of ‘taking’.

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Diptych from Condensed Memory

Between 2009 and 2011 you took part in several art shows in some European countries. How was the experience?

Thanks to the German professor Walter Bergmoser, I could hold an exhibit in Europe with my Korean friends, which was an amazing experience. European galleries seemed more open to their visitors. Answering questions from people of different ages and cultures from mine was unfamiliar yet very inspiring.

Who is your reference in photography?

My reference in photography is all the people I’ve met so far. In fact, until recently, the biggest impact was from the ‘stone’ pile packed/plugged into a puddle (see picture below).

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Picture from Condensed Memory

What do you think about Asian current photography?

Asian photographers are very progressive, unique and fresh. I’ve just started in photography—for less than 10 years until now—so it is not easy for me to read the flow of Asian photography. But many Asian artists are advanced to the world and staying in the center of focus. This proves the uniqueness of Asian contemporary photography.

Are you working on any project right now? If so, could you tell us something about it?

My new projects are Acne (A bud) and Travel alcohol (way to travel).

I got acne when I started to love. Something sprouting inside me rose with the ‘acne’. I love something that is gushing with an uncontrollable urge. I desire to hold something sprouting, whatever form it may have, in my work. Such work is in process now.
The Travel alcohol (way to travel) project is a story of someone—you and me—who loves to travel and drink. I have a plan to publish a small amount of pictures recorded when traveling with drinks.

a bud

Picture from A bud

Spanish translation

Rinko Kawauchi. Imágenes que hablan

Rinko Kawauchi

Me gusta reflexionar sobre la vida y el mundo a través de la fotografía. Es el mejor método para mí. (…) Hay muchas maneras de comunicarse en fotografía, por lo que es una forma de originalidad. Me gusta encontrar algo nuevo, algo que no he visto con anterioridad.

(…) Cuando fotografío intento seguir mis instintos, más tarde analizo el porqué  he fotografiado y la imagen me da la el motivo. Hay una colaboración, un intercambio entre mi obra y yo. Entiendo que es muy difícil de explicar, pero es como trabajo.

Rinko Kawauchi

Para mí, el espacio y el tiempo no son importantes, quiero mostrar una esencia más poética y abstracta, añadir demasiada información a la imagen es algo que puede molestar, desviar la atención del mensaje principal. Sencillamente creo que demasiados detalles crean confusión y como resultado se pierde el mensaje que trato de comunicar. El tiempo tampoco es importante. Es como en el universo, donde el concepto ‘tiempo’ es inútil. Me gustaría desnudar ideas subconscientes que tienen valor en cualquier lugar que fotografío.

(…) Mi trabajo sempre quiere revelar los indicios de vida, como los ciclos, por ejemplo. Es lo que necesito para vivir, por lo que diría que es mi tema.

Rinko Kawauchi

Desde que era una niña me encanta el formato libro más que ningún otro.

(…) La edición es muy importante en mi trabajo, es uno de los aspectos fundamentales, pero también una parte, fotografiar, editar, publicar. Todas forman parte del mismo proceso. Al tener las imágenes impresas delante, me hablan.

Rinko Kawauchi

[Sobre Iluminance] Es uma metafora de nuestra vida, en la que tenemos diferentes puntos de vista. Hay muchas maneras de ver el mundo.

(…) Quería ver cómo es nuestro mundo a través de mi trabajo. Mi motivación es ésa. Creo que el mundo está hecho de muchos fragmentos, por eso he hecho secuencias de imágenes iguales (mismo tamaño, misma manera).

(…) Podría decir que Iluminance es en sí mismo mi vida. El proceso de realización de mi trabajo es mentalmente terapéutico.

Rinko Kawauchi

Es difícil definir lo que es la belleza, depende de las personas, pero yo todavía pienso que compartimos las mismas cosas.

Rinko Kawauchi

Fuentes:

Dalpine

Photo/Graphy. Massimiliano Tiberi

Aperture

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Clases magistrales de Steve McCurry (6-10)

Ésta es la segunda parte de las clases magistrales de un minuto que Steve McCurry dio en Phaidon.

6.-Cómo adaptarse a la calle.

Creo que es importante cuando viajas al extranjero ir con un guía o intérprete. Alguien que conozca la cultura y te pueda guiar si te saltas lo que es socialmente aceptable. Así, eres un poco más libre porque cuando vas solo muchas veces no sabes muy bien lo que la gente dice o piensa cuando te ve por la calle. Es mejor ir con alguien que te cubra las espaldas, vea la escena desde fuera y corrija tus errores.

Otra cosa importante es tener cierta confianza en saber que estás siendo respetuoso con la gente y no pasas por encima de ellos y es bueno estar siempre seguro de que no estás molestando. Es importante ser sensible a cómo te relacionas con la gente y desarrollar una especie de sabiduría callejera.

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7.- Cómo fotografiar situaciones estresantes

Creo que mi mejor consejo para fotografiar situaciones estresantes es intentar calmarte pero no pensarlo demasiado. Intentar poner un pie delante del otro y no pensar mucho más allá en la carretera. Dejar que tus instintos te guíen. He estado en guerras y sitios de conflicto y casi tengo un piloto automático porque si dejas que vuele tu imaginación contigo puedes agobiarte, ponerte demasiado nervioso y las cosas empezarían a fallar. Así que es mejor calmarte y pasar el momento en vez de pensar en la locura está ocurriendo a tu alrededor.

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8.- ¿Qué hace que una fotografía sea realmente buena?

Las buenas fotografías son aquéllas que no puedes olvidar, que permanecen contigo, aquéllas de las que aprendes, las que te cambian. Fotografías que tienen una historia emocional. Por supuesto tienen que tener una buena composición, un buen diseño y, si son a color, un buen color pero creo que lo principal es que cuenten una historia interesante, algo que importe, algo que cambie tu punto de vista sobre el mundo, algo de lo que se pueda aprender.

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9.- Sigue tu olfato

Una de las cualidades más importantes que un fotógrafo puede tener o desarrollar es una gran curiosidad por el mundo o el lugar donde está en ese momento. Si estás en un mercado en la calle, simplemente te dejas guiar por tu olfato. ‘¿Voy a la derecha, la izquierda, cómo es la luz?’ Simplemente tienes que dejarte llevar, seguir tu instinto y deambular. Es una aventura vagar por Sidi Youssef en Marrakech, El Cairo, Delhi o Hong Kong… Lo primero que deberías hacer es divertirte, explorar el lugar tú mismo y encontrar lo que es interesante y divertido.

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10.- ¿Qué hacer si las cosas salen mal?

A veces, estás en la calle haciendo fotos y las cosas pueden salir mal. La gente se puede hacer una idea equivocada y ofenderse aunque tu intención no fuera ésa pero estas cosas pasan. Una vez estaba fotografiando la antigua estación de tren de Delhi, en India, y sin darme cuenta hice una foto a un hombre y su familia y se molestó mucho. Quería la película, la cámara… Tienes que resolver estas situaciones y disculparte rápidamente, intentando neutralizar la frustración y el enfado. Pero la cuestión principal es no verte envuelto en esa situación y por eso es verdaderamente importante estar atento a tu entorno y, si no estás familiarizado con la zona, trabajar con un buen traductor, guía o intérprete. Así que insisto en lo importante que es encontrar a alguien que te cubra las espaldas, que hable el idioma local y que pueda escuchar y entender lo que la gente dice y piensa.

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Consejos de Steve McCurry a los jóvenes fotógrafos

Pie de foto: ‘Tormenta de arena’ de Steve McCurry

Citas: Steve McCurry

Interview with Yoshihiko Ueda

Yoshihiko Ueda was born in Hyogo (Japan) in 1957. Even though he’s a well-known advertising photographer in his country, he also has an original and vast personal work. He has published 28 collections of photographs and has received many awards including the Tokyo Art Directors Club Grand Prix, the New York Art Directors Club Photography Award and the Cannes Lions International Advertising Festival Silver Prize for Graphic Design.

Yoshihiko

Picture from his advertising works in 1992

Your portfolio is rich and varied. We can find celebrities’ portraits, intimate family pictures and advertising photographs. How do you combine advertising photography with your personal projects? Are you focusing more on one of those at the moment?

It probably sounds a bit strange, but with respect to my personal projects, I feel that for me it’s all part of the single thread of my photographic practice. My focus these days is on photographs in the Materia series of my personal works. These images began from my photographing of forests, then moved on to rivers, and the sea, steadily changing form along the way.

You have mentioned that your photography was very influenced by Robert Mapplethorpe’s work. Could you tell us how was the experience of portraying him?

That’s such an old story now. I think it was when I was in my mid-20s. In those days many photographers were affected by the influence of Robert Mapplethorpe in one way or another. That’s how tremendously influential he was as a photographer. But now I’m already in my mid-50s, and if I have to say whether that influence is in my photography now, the answer would be no. I believe it was 27 years ago that I took his portrait. I was overjoyed. And it still seems like yesterday that he was standing there quietly in front of my camera, his limpid eyes looking directly into the lens.

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Portrait of Robert Mapplethorpe, 1986.

In your photographic work we can find two projects located in forests: Quinault and Materia. “I do believe I photographed the forest as a ‘force’, something completely different than merely shooting scenery”. These words of you explaining how you felt when portraying the forest in Quinault, could be also useful to explain the way you felt for your project Materia?

I intend to carry on with my Materia project, which began with Quinault when I photographed the forest as a living thing, and continuing for more than 20 years. The word comes from Latin and refers to the energy from which life is born. Starting with forests, it has moved on to rivers and sea this year. But it hasn’t changed in the fundamental way that it is still seeking to discover and express in photography the original life force.

Quinault

Picture from Quinault

After reading your statements on Amagatsu or Quinault, I have the sensation that many of your projects came to you led by some kind of inexplicable force, just as if you were destined to make them. Few photographers get that spiritual connection with their projects’ subjects. Could you tell us in what sense those feelings influence you when taking photographs?

Generally speaking I feel that it’s joy. And that joy arises from being able to stand before the world and open one’s heart and mind to the feelings of fear and happiness that people are exposed to when they come into contact with the unchanging, unbroken flow of that origin in physical form, that sublimity and beauty that words cannot express.

Materia

Picture from Materia

You’ve made few solo exhibitions in Europe and America, only two or three, is it right? Why do you think your work is not so known outside Japan? 

Yes, you’re right.

I don’t really know the reason my works aren’t so well known overseas. Perhaps one thing is that I haven’t got any partner strongly promoting my photographs around the world. And I haven’t been devoting my own energy to positive action to have my works seen overseas.

What do you think about Asian current photography?

I don’t actually look at other photographers’ work that much, so I don’t know much about contemporary photography in Asia.

Could you please tell us something about your next project?

As I said before, I’m continuing to take photographs for the Materia series. And I’m progressing with preparations for M.River and M.Sea to be exhibited in Tokyo this spring.

ShimaePicture from Shimae

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