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Habitantes del Café Lehmitz. Anders Petersen

Anders Petersen, Lilly and RoseEra la una de la mañana y estaba esperando a mi amiga Gertrude en el Café Lehmitz de Hamburgo. Estaba hasta los topes y sonaba una música fantástica en la gramola. Era 1967. Un tipo se acercó y me preguntó por mi cámara, que estaba encima de la mesa. Era una Nikon F. Le dije que era una buena cámara. Él me contestó “yo tengo una mejor”. La suya era una Kodak Retina 1C. Levantamos nuestras cervezas y brindamos por nuestras cámaras. Luego fuimos a bailar con algunas chicas bonitas.

De repente, me di cuenta de que al otro lado del café un grupo de gente se estaba pasando mi cámara de los unos a los otros y estaban sacándose fotos. Fue allí y les dije “Hacedme una foto, que ésa es mi cámara.” Ok, dijeron, y después me la devolvieron. Hice algunas fotos por mi cuenta, y así fue como empecé a fotografiar en el café Lehmitz.

Seguí haciendo fotos durante los tres años siguientes yendo y viendo de Estocolmo, donde estudiaba fotografía, para revelar los carretes. En el café podía dormir gratis en la cocina, a cambio de cuidar de los hijos de la cocinera. Este época fue muy formativa. Allí incluso monté mi primera exposición. Colgué 350 fotos en la pared de arriba del bar y dije que quien se reconociera en alguna podía cogerla y quedársela. Unos días más tarde la pared estaba vacía.

Esta foto trata de personalidades. Lilly era la favorita de todos, una mujer muy carismática, muchos hombres estaban enamorados de ella y ella lo sabía. El hombre de la izquierda lo llamaban Rose, por un tatuaje que tenía en el pecho. Iba bien vestido porque venía del trabajo, un restaurante que estaba a 10 minutos. Cada noche venía al Café Lehmitz para ver a sus amigos, pero sobre todo para ver a Lilly. Rose era un tío serio, y solo tenía ojos para ella. Cuando hice esta foto, ella estaba enfadada conmigo porque le había hecho muchas fotos. Me dijo.”¿No te puedes comportar normal, tomarte una cerveza y ser como el resto? ¿Tienes que hacer fotos todo el rato? Por favor, finito, ¡ahora!” ¿Ves ese tío pequeño detrás suya? Ése es Scar. Era un famoso traga cuchillos. Hablaba mucho sobre ello y se metía en muchas peleas, pero era un buen hombre.

Tom Waits_ Rain dogsTom Waits usó una de mis fotografías de Rose y Lilly para la portada de su álbum Rain Dogs. Rose tiene el torso desnudo y está echado sobre Lilly, que se ríe mucho porque él estaba en plan melodramático. Cuando la casa de discos me lo pidió, dije que sí porque me gusta mucho la música de Tom. Nos conocimos y pasamos un buen rato, hablamos el mismo lenguaje.

Iba todo tipo de gente al Cafe Lehmitz; gente local, gente del puerto y de las ciudades de alrededor y muchas prostitutas mayores de la zona de St Pauli. También iba allí gente mayor que había tenido una vida dura y no eran aceptados en ningún otro sitio. Hice cientos de fotos, es como un álbum familiar, pero ésta es especial. Me gustan los tres personajes y están siendo ellos mismos.

Mejor consejo: La gente siempre dice que hay que ser fuerte. Pero para mí, hay que ser débil; suficientemente débil para sentir, para involucrarte, para ser tú mismo. No seas fuerte, sé débil.

Traducción del artículo de Guardian My best shot.

 

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Martina Hoogland Ivanow. Demasiado cerca

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Far too close comenzó como una investigación personal sobre mi relación con el viajar, y sobre el viajar como un método de creación de trabajo. ¿Por qué es necesario viajar lejos para adentrarse en uno mismo? Y, ¿por qué es mucho más fácil, por lo menos para mí, describir lo que está lejano geográficamente que lo que está más cercano emocionalmente?

Martina Hoogland Ivanow

Es un trabajo sobre la distancia emocional y geográfica. Las imágenes de mis viajes a los extremos más lejanos de los continentes son solapadas con imágenes de interiores de mi casa, de familia y de amigos. Hay fotografías de Siberia, de la Isla de Sakhalin, de la Tierra del Fuego y de la Península de Kola en Laponia rusa que tomé entre 2001 y 2005, e  imágenes de Estocolmo, que hice del 2006 al 2008.

Martina Hoogland Ivanow

Son  lugares al final de los continentes o lugares donde la gente, por la percepción de estar lejos, tiene escondidas cosas que no quieren que sean encontradas. Por ejemplo, en la península de Kola, en el norte de Rusia, hay bases militares, prisioneros… es un lugar donde se esconden desechos nucleares y cosas parecidas. Estos lugares tienden a ocultar historias oscuras.

Martina Hoogland Ivanow

También está el punto de vista poético de sentirte más cerca de ti mismo en estos lugares inhóspitos, y por ello atraen a ciertas personas.

Martina Hoogland Ivanow

Al principio miraba un mapa y empezaba a investigar sobre un lugar, luego iba allí por un par de semanas y veía lo que podía encontrar. Al final fui más específica con lo que trataba de encontrar, pero esto me ocurre con todos mis proyectos. En un principio intento ser un poco más indecisa y según me acerco al final intento estar más centrada.

Martina Hoogland Ivanow

En Estocolmo me di cuenta que las cosas que pude compartir y ver en algunas casas de mis parientes, libros, interiores, una almohada o telas, eran las mismas cosas que encontraba en mi propia casa. Tal vez estaban relacionadas con un vínculo familiar, más que con una cercanía emocional. Así [con imágenes] traté de describir el lugar, en vez de la cercanía a la persona o la intimidad.

Martina Hoogland Ivanow

Era consciente de estar haciendo las cosas de cerca, tan cerca que no se podía ver nada. Estaba tratando de describir esa falta de perspectiva, la ironía de que es más difícil ver las cosas que están muy cerca de nosotros.

Martina Hoogland Ivanow

La oscuridad es una forma de abstraerse, o de dar una atención especial a ciertos detalles. (…) A veces encuentro mejor reducir la información antes que dar demasiada.

Martina Hoogland Ivanow

La edición y la selección del libro fue una experimentación con el ritmo de la perspectiva, una exploración de dos posiciones aparentemente opuestas de proximidad, a través de la experiencia de cercanía y de la distancia.

Martina Hoogland Ivanow

Hay unas imágenes que especialmente simbolizan esto para mí, como el niño en el aire con zapatos plateados, la escalera en el agua, las dos hermanas de la portada (mi abuela y su hermana) o el caballo en busca de contacto con los ojos.

Martina Hoogland Ivanow

Es una meditación visual, tanto física como emocional, de cercanía a un tema y la lejanía a un lugar.

Martina Hoogland Ivanow

Fuentes:

Julie Cirelli

Dossier Journal

Another

Martina Hoogland Ivanow

martina hoogland ivanow

Stephen Gill. Donde la intención se junta con el azar

Stephen Gill

Durante unos años he estado haciendo fotos por el barrio londinense de Hackney, donde vivo. Últimamente, he estado intentando fotografiar no solamente cómo es, sino también lo que se siente que es. Empecé a juntar pequeños trozos de de objetos que encontraba allí y los ponía dentro de la cámara; trozos de plantas, semillas o cristales. Los introduzco justo antes de cargar la película, he usado incluso insectos. Estos objetos se quedan en la emulsión cuando tomo la fotografía. Es una forma de incluir la verdadera esencia de un lugar en una imagen, el ruido visual y el caos. Pensé fotografiar estos pequeños objetos directamente, pero no tenía un objetivo macro.

El fondo es una calle de Hackney tomada al azar. Solía tomar fotos descriptivas y objetivas de la zona pero pensé ¿por qué no dar un paso más? Así tengo algo menos de control y tengo que jugar con el punto donde la intención se junta con el azar. He enterrado fotos en el suelo, dejándolas allí un tiempo y desenterrándolas. Es apasionante trabajar medio a ciegas, sin saber cómo va a quedar la fotografía.

Toda esta serie es en el mismo estilo, hasta que no procesas la película no tienes ni idea de dónde los objetos van a caer. La mancha verde de abajo a mano izquierda es un pequeño trozo de gel de sílice que encontré en una alcantarilla. Las cosas borrosas de arriba a izquierda son pequeños trozos de cristal, posiblemente de los faros de un coche. Está procesado directamente, sin realzarlo en el ordenador. En cada toma sale exactamente lo que estaba en el negativo.

Empecé a hacer estas fotografías hace un par de años y ya habré hecho cientos. Hackney es un lugar que atrae a obsesos. Tiene algo que ver con sus contradicciones: puedes estar en lugares hermosos con canales y praderas y, justo al otro lado, hay caos y suciedad. Esto es a lo que intento enfrentarme. La fotografía sirve para sacar cosas de dentro para afuera y esto es todo lo contrario: llevar lo de fuera hacia adentro. Por más que adoro la fotografía, una parte de mí se rebela contra ella.

The guardian. My best shot, Stephen Gill

Web de Stephen Gill.

Jem Southam. Caminar el paisaje inglés

jem southam

Uno de los grandes placeres de la vida es caminar, ser capaz de dejar atrás el portal de casa y salir a pie y explorar.

(…) Caminar resulta también un maravilloso estímulo para pensar; observar el mundo con una cámara da al pensar una ventaja que encuentro enormemente gratificante. De modo que las imágenes que capto están imbuidas de mis pensamientos acerca de la vida, incluso si estos rara vez son obvios o accesibles.

jem southam

Los artistas pintan porque están impulsados por una adicción al acto y los problemas de la pintura y no por la idea de colgar algo en las paredes de una galería (o ésa es mi opinión). Yo hago fotografías porque estar al aire libre caminando, observando y pensando con una cámara e intentando arrancar una fotografía de la experiencia, es todo lo desafiante y excitante que mi vida puede llegar a ser. Todo el proceso de construir una serie de imágenes en una pieza coherente de trabajo aparece después. Exhibirlas es gratificante, cuando lo haces correctamente es importante, pero no es la verdadera razón por la que hacemos fotografías.

jem southam

Fotografío el paisaje británico porque es el que conozco y es en donde vivo. En 1975 decidí que aquí había suficiente material para fotografiar durante varias vidas. En el mismo año, inspirado por Richard Long y por Laurie Lee, caminé desde Berwick-upon-Tweed a mi casa en Bristol. Me llevó dos meses. Pasee por la región lo más fuera de las carreteras posible e hice unas pocas fotografías en blanco y negro, fotografías de paisaje de 35 mm. La idea era fotografiar el paisaje inglés de una forma lenta, lo que definitivamente hice. Pero la sorpresa real fue que no había casi nadie más allí. Prácticamente no me encontré a nadie, aparte de cuando pasaba por pueblos a por comida y refugio ocasional.

jem southam

Mi intención general artística es realizar un trabajo que explore cómo nuestra historia, nuestra memoria y nuestros sistemas de conocimiento influyen en nuestras respuestas a los sitios que habitamos, visitamos, creamos y soñamos.

jem southam

Lo primero es apegarse al lugar, lo que no es tarea fácil. No puedo simplemente salir y buscarlos, ellos llegan de alguna forma a mi vida. Yo digo que ellos me encuentran a mí. Los lugares encuentran su camino dentro de mi conciencia. Yo hago la primera foto y entonces quiero volver.

jem southam

Sobre mi estrategia, una vez elijo un sitio lo visito regularmente y poco a poco voy juntando un trabajo que responde a la lenta absorción del lugar gracias a las tomas de las fotografías, así como de las conversaciones con personas que viven por allí, la exploración de mapas, de otros documentos relacionados y demás.

(…) Ahora tengo como veinte lugares en los que estoy trabajando. Hace unos años tomé la decisión de que, una vez que empiece a trabajar en un determinada localización, la relación con el lugar nunca terminará. Puede llevar a un trabajo resuelto, o el trabajo se puede quedar invernando, pero mi relación con el lugar continuará. Por ejemplo, acabé The Red River en 1989, el libro fue publicado por Cornerhouse. A mediados de los 90 empecé a volver y, muy poco a poco, he estado haciendo nuevo trabajo allí.

jem southam

Desde los comienzos, siempre estoy pensando en cómo presentar el trabajo, en forma de exhibición, en forma de libro, o las dos al mismo tiempo. Por supuesto, esto influye en cómo las cosas se desarrollan pero tengo cuidado de permitir al trabajo crecer, si es necesario, más allá de los límites potenciales impuestos por estas formas.

jem southam

Tengo mucha suerte de haber trabajado solamente con unos pocos comisarios. Cada uno de ellos ha entendido muy bien lo que trato de hacer. Es una parte muy importante del proceso, también es tremendamente importante trabajar con un editor cuando uno está intentando hacer la edición del libro. Si tuviera que dar algún consejo, sería el encontrar las personas adecuadas con las que trabajar, y no pensar que nosotros mismos podemos resolver todo.

jem southam

Fuentes:

Seesaw Magazine

Agrupació Fotográfica Sarthou Carreres

Entrevista a Gerardo Custance

Traces, La Derniere Carte, 2012

Traces, Spirale, 2012.

¿Cómo descubriste la fotografía? ¿Cuándo te diste cuenta que querías dedicarte a ella?

A los veinte años estaba en un momento de impasse en mi vida, no quería meterme en una carrera, ni empezar una vida empresarial, ni preparar oposiciones… no quería nada a largo plazo. Por aquel entonces, algunos amigos del instituto habían estudiado fotografía al cambiar a bachillerato artístico, de repente había cámaras en el grupo. Así que me apunté a un curso en la casa de la juventud del Ayuntamiento de Getafe, bueno, nos apuntamos todos juntos. El padre de un amigo me prestó su Yashica FX-3, cargamos película en blanco y negro y comencé a disparar… el primer rollo lo hice en el Retiro y en el Paseo de  Recoletos. Me sorprendí. Del primer carrete tengo fotos que aún me sorprenden. Ese fue mi primer contacto con la fotografía.

Más tarde hice un curso avanzado, también en el Ayuntamiento, después otros en escuelas privadas de Madrid, y así me fui picando hasta que llegó el momento en el que decidí ponerme a ello en serio. Una ex-alumna me recomendó la escuela de Terrasa si lo que quería era estudiar una carrera universitaria en fotografía. Estuve tres años allí y después conseguí una beca Erasmus para ir un cuarto año a Londres, a estudiar en otra Universidad con métodos diferentes.

Me imagino que en un principio utilizarías 35 mm. ¿Cuándo cambiaste al gran formato?

Disparaba en 35 mm, pero al llegar a la Universidad Politécnica comencé a interesarme más por el gran formato. Utilizábamos la cámara de placas en el estudio y me empezó a apetecer mucho llevarla a la arquitectura. En el primer año no teníamos trabajo de campo con cámara técnica, que se hacía en segundo, y el jefe de estudios no me la quería prestar fuera de las aulas, pero yo estaba encabezonado, fui a hablar con el director y al final lo conseguí. Así inicié mi primer proyecto en placas, en una calle del barrio chino de Barcelona, Carrer d’En Robador, fotografiándola los sábados y domingos por la mañana, cuando no había nadie. Es una calle de Barcelona donde siempre ha habido prostitutas. A mí me interesaba el ambiente solitario de la mañana, cuando todo el trajín había terminado. Fue así como empecé  a tomar un poco de manejo con la cámara. Más tarde me planteé con gran formato mi proyecto final de carrera, Drifting London y realmente fue allí, en Londres, donde acabé de familiarizarme con la cámara técnica.

Arbre perdu, Paris, 2011.

Arbre perdu, Paris, Spirale, 2011.

­­­Drifting London,  es un recorrido por una línea imaginaria que atraviesa la ciudad de Londres, inhabitada, de Sureste a Noroeste. Tuvo que ser muy difícil fotografiar Londres sin gente. ¿Cómo lo llevaste a cabo?

Una de mis intenciones era no fotografiar a ninguna persona en el cuadro de la imagen y al mismo tiempo no borrar a nadie con photoshop. Esto fue parte del ejercicio. Con la cámara de placas, una vez que cargas la película no estás viendo a través del cristal esmerilado. Estás viendo la realidad, te marcas un cuadro imaginario en el espacio que tienes delante, con tus esquinas, arriba, abajo… Podía estar esperando cuarenta minutos por una décima de segundo en la que no pasase nadie por este cuadro. Otras veces, fueron largas exposiciones, fotografías nocturnas que podían tener entre veinte y cincuenta minutos de exposición y, a no ser que alguien se quedase quieto en mi cuadro la mitad del tiempo de exposición, no salía ni la estela.

La fotografía que tomé en Regent Street fue la más difícil, en ella sale la única persona que aparece en todo el proyecto. Es una estela, una sombra en una parada de un autobús. Era el sexto domingo que iba a las siete de la mañana para ver si podía hacer la foto de aquel espacio sin un alma, y aunque sale una persona fue lo mejor que conseguí en casi dos meses, pensé que ya estaba bien. Y la sensación que yo buscaba se mantenía a pasar de aquella sombra… la sensación era lo que realmente me interesaba. Esa persona está escondida, fue como el pequeño detalle que en otras fotografías he ido buscando conscientemente. A pesar de no querer que en aquella imagen hubiese alguna persona, más tarde me di cuenta que su presencia era necesaria.

Regent Street, Drifting London, 2004.

Regent Street, Drifting London, 2004.

¿Hiciste muchas tomas hasta que conseguiste esta foto de Regent?

Cada mañana sólo disparaba una o dos veces. Ese es el juego, economizar al máximo en las tomas, me gusta seleccionar muy bien el momento en el que quiero hacer la foto. Si ya tienes decididas previamente muchas cuestiones, como el encuadre o la luz, montas el trípode sabiendo a qué hora vas para tener las sombras en una dirección u otra, entonces sólo tienes que esperar ese momento de magia en el que sucede algo imprevisto.

¿Podrías describir esos momentos de magia?

Hay un paisaje en Perímetro en el que aparece una plaza de toros, de esta fotografía tengo dos versiones: la primera con una luz muy plana en la que aparece una persona minúscula cargada con una mochila asomándose y viendo lo que yo estaba fotografiando, mirando a la plaza de toros. No me interesó demasiado; después tengo otra versión en la que no aparece nadie, que es la que al final publiqué en el libro. En esa toma hay una magnífica mezcla de luces que sólo ocurrió durante un instante: el momento en el que pasó un haz de luz a través de una nube. Ese haz de luz iluminó únicamente el centro de la plaza de toros con luz directa, el resto de la escena quedó iluminado con la luz tamizada por la nube. A eso me refiero cuando hablo de momentos mágicos. Y tienes que estar ahí si quieres fotografiarlos, esperando, observando. Acechando. A través del deseo que tienes de tomar la fotografía entras en una especie de comunicación con el entorno que te mantiene alerta, mucho más receptivo a las cosas que suceden a tu alrededor.

Atienza, Guadalajara, Perímetro 2007

Atienza, Guadalajara, Perímetro, 2007.

Para tu serie Perímetro marcaste un radio de 150 kilómetros alrededor de Madrid para tomar fotos. ¿Cómo encuentras las localizaciones que quieres fotografiar en un radio tan amplio?

Mis fotografías surgen, como hablamos antes, desde el deseo, a veces desde la intuición. Me gusta compararlo con la forma que tienen los murciélagos de orientarse, emitiendo ondas que rebotan contra los objetos y les dan la distancia. Tú vibras de alguna forma con tu idea y esto hace que tomes decisiones, que de repente elijas un camino y no otro. Llegas al final de ese camino y… ¡Zas! Ahí esta la foto. Te pasa una vez y piensas que es casualidad, pero cuando te pasa más veces comprendes que existe una capacidad de vibrar con tu trabajo, de encontrar tus fotografías a través de la intuición. Algo que transciende de lo puramente racional y que, en mi caso, tiene un origen muy ligado a lo emocional.

¿Cómo realizas la edición? ¿Cómo juegas con las imágenes a la hora de editar?  ¿Tienes más en cuenta cómo encajan visualmente unas con otras o es más cómo encajan conceptualmente?

Un poco mezcla de lo que has dicho. En la edición lo que me interesa es el ritmo de lectura. Visualmente suelo utilizar la persistencia retiniana para ayudarme a generar ese ritmo. Pero también me gustan los cortes, mezclar determinadas composiciones que cierran bloques, que ralentizan la lectura, y a continuación introducir otras que mentalmente te llevan en otra dirección, como si fuese otro capítulo… desde mi punto de vista, la edición es  la parte más divertida del proyecto. Bueno, todo es divertido, pero ver cómo se sostienen las cosas o cómo se caen, o cómo se ayudan las unas a las otras… Para mí es como cerrar el círculo.

Si no hubieras utilizado el gran formato ¿cómo crees que sería tu trabajo? ¿Sería parecido al que haces ahora pero en 35 mm o habrías hecho otro tipo de fotografía?

A día de hoy pienso que no podría proyectarme a mí mismo sin esta forma de trabajar tan pausada. Este ritmo al observar la realidad me lo ha dado, en gran parte, el uso del gran formato. Pero eso no quiere decir que la cámara haya marcado el tipo de fotografía que me gusta hacer.

A-2, Km.146, Soria, Perímetro, 2007.

A-2, Km.146, Soria, Perímetro, 2007.

Nos han comentado en las redes sociales que tu fotografía se parece bastante a Shore y Sternfeld. ¿Crees que es cierto?

Claramente han sido referentes en cuanto al tratamiento de la luz y el color. Cuando comencé mi proyecto en Londres, mi referente principal era Gabriele Basilico. Para mí su trabajo era una guía estética. Me compré casi todos sus libros y los absorbí. Cuando me planteé hacer paisaje en color y buscar ciertas resonancias de la ciudad en ese espacio que siempre hemos llamado el campo, también busqué referentes. Y sí, es verdad que en Perímetro hay un cierto regustillo a la fotografía norteamericana de aquellos primeros años del color, a Uncommon Places de Stephen Shore y a American Prospects de Joel Sternfeld… aunque también hay otras fotos en las que no se podría encajar a ninguno de ellos. La fotografía de la plaza de toros, por ejemplo.

El proyecto que actualmente estoy haciendo en París trabaja en esa dirección: el encuentro con mi propia identidad narrativa, mi forma de relacionarme con los espacios, de representar el paisaje. Este proyecto, Spirale, es más introspectivo y mucho más personal. Por supuesto está siendo más difícil, pero al mismo tiempo estoy más contento y mucho más seguro de los resultados. Es como mostrar una parte de mí sin tener dudas. Miro cada una de las fotografías y veo que de algún modo, en cada matiz y cada pequeño detalle me reflejo a mi mismo. Y creo que esta forma de relacionarme con mis fotografías es más interesante, es un paso adelante.

Spirale, ¿éste es el proyecto que estás desarrollando con la beca de Fotopres?.

Sí. Este mismo sábado tengo una reunión por Skype con Chien-Chi Chang, que es mi tutor y me está ayudando con este proyecto. Le envío cosas por dropbox, le planteo cuestiones, él me contesta, me hace otras preguntas… Es muy interesante. Esto es parte de la beca Fotopres. Nos han asignado un tutor de Magnum a cada uno. Aparte de la dotación económica y la exposición que comenzará a itinerar en 2015 por los centros de “La Caixa” este año se implementan dos cosas: una son los tutores, todos de Magnum, y otra es el seguimiento online de la evolución de cada proyecto. Puedes acceder a todos los contenidos de los becados en la web de Fotopres.

Adiós tiempo, Paris, 2011.

Adiós tiempo, Paris, Spirale, 2011.

A la hora de hacer fotos, ¿piensas que van a ser vistas? ¿Las harías igual si no fueran a ser expuestas?

Creo que lo que me lleva a hacer fotos es la necesidad de contar. Y cuando te propones contar, sea lo que sea, deseas que alguien te escuche. Aunque no lo haces para eso, sino porque tienes la necesidad de expresarte.

Has dado muchos talleres. Actualmente das clases en Madrid. ¿Hay algún error común que cometan los estudiantes de fotografía?

¿Un error?… No me interesan tanto los errores, prefiero tratar de sacar lo mejor a cada proyecto que me enseñan los alumnos. Yo, como estudiante, era poco autocrítico, sobre todo al principio, y más autocomplaciente de lo que se debe. Creo que para hacer un trabajo con cierta solidez hay que destilar muchísimo, hay que profundizar. Trabajar las ideas hasta un punto que a veces es un poco delirante. Como estudiantes, muchas veces nos conformamos con cosas que están bien, que funcionan y ya está. No intentamos darle una vuelta de tuerca más. Eso es lo que más cuesta aprender. Por muchas razones. Pero claro, hablar en genérico del error en el que caen todos los estudiantes… no lo sé. Cuando estás aprendiendo creo que es importante que te hagan ver tus errores a través de tus aciertos, por comparación. Que te comparen las cosas que haces bien con las que no haces bien para que tu mismo digas ‘esto no lo puedo hacer’. Es como un refuerzo positivo (risas), si estuviéramos hablando en términos de condicionamiento.

Una vez te oí comentar que tienes una relación muy especial con la fotografía. ¿Podrías definir cómo es esa relación?

La fotografía empezó siendo una cosa distinta a mi vida, separada. Un poco más adelante se convirtió en algo paralelo: según avanzaba en mi trayecto personal, la fotografía avanzaba conmigo. Más tarde, con más implicación, con mucha dedicación, estas dos líneas paralelas se fueron uniendo hasta convertirse en una sola. Hoy en día mi vida y la fotografía son inseparables.

Fête, Paris, Spirale, 2013.

Visita la web de Gerardo Custance

Gerardo Custance dará un taller en la escuela Lens el 11 y 12 de mayo. Aquí podéis encontrar toda la información.

Bryan Schutmaat. Grays The Mountains Sends

Grays the Mountains Sends

Bryan Schutmaat. Grays the Mountains Sends

Este proyecto combina retratos, paisajes y naturaleza muerta en una serie de fotos que explora la vida de la gente trabajadora que vive en pueblos pequeños de las montañas y comunidades mineras de oeste  americano. Con una cámara de gran formato e, inspirado por la poesía de Richard Hugo, he pretendido dar a entender y trasmitir las experiencias de desconocidos que encontré en lugares que removieron mis emociones. Básicamente, este trabajo es una meditación sobre la vida en pueblos pequeños, sobre el paisaje y, lo más importante, sobre el paisaje interno de la gente corriente.

Bryan Schutmaat

Bryan Schutmaat

Bryan Schutmaat. Grays the Mountains Sends

En un poema puedes inventar, por ejemplo, un pueblo, pero un pueblo imaginado debe ser casi tan real como un pueblo real. Si no lo es, quizá estés en el sitio equivocado. Los temas que nos remueven, como nuestras palabras, vienen de obsesiones que debemos sacar a cualquier precio. Puede ser duro, pero sería peor dentro de cuarenta años, si sientes que podrías haberlo hecho y no lo hiciste.

Richard Hugo

Bryan Schutmaat. Grays the Mountains Sends

Bryan Schutmaat. Grays the Mountains Sends

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Bryan Schutmaat. Grays the Mountains Sends

Bryan Schutmaat. Grays the Mountains Sends

Bryan Schutmaat. Grays the Mountains Sends

Fuente: Aandhmag

Os recomendamos visitar el trabajo completo de Bryan Schutmaat en su web.

Rinko Kawauchi. Imágenes que hablan

Rinko Kawauchi

Me gusta reflexionar sobre la vida y el mundo a través de la fotografía. Es el mejor método para mí. (…) Hay muchas maneras de comunicarse en fotografía, por lo que es una forma de originalidad. Me gusta encontrar algo nuevo, algo que no he visto con anterioridad.

(…) Cuando fotografío intento seguir mis instintos, más tarde analizo el porqué  he fotografiado y la imagen me da la el motivo. Hay una colaboración, un intercambio entre mi obra y yo. Entiendo que es muy difícil de explicar, pero es como trabajo.

Rinko Kawauchi

Para mí, el espacio y el tiempo no son importantes, quiero mostrar una esencia más poética y abstracta, añadir demasiada información a la imagen es algo que puede molestar, desviar la atención del mensaje principal. Sencillamente creo que demasiados detalles crean confusión y como resultado se pierde el mensaje que trato de comunicar. El tiempo tampoco es importante. Es como en el universo, donde el concepto ‘tiempo’ es inútil. Me gustaría desnudar ideas subconscientes que tienen valor en cualquier lugar que fotografío.

(…) Mi trabajo sempre quiere revelar los indicios de vida, como los ciclos, por ejemplo. Es lo que necesito para vivir, por lo que diría que es mi tema.

Rinko Kawauchi

Desde que era una niña me encanta el formato libro más que ningún otro.

(…) La edición es muy importante en mi trabajo, es uno de los aspectos fundamentales, pero también una parte, fotografiar, editar, publicar. Todas forman parte del mismo proceso. Al tener las imágenes impresas delante, me hablan.

Rinko Kawauchi

[Sobre Iluminance] Es uma metafora de nuestra vida, en la que tenemos diferentes puntos de vista. Hay muchas maneras de ver el mundo.

(…) Quería ver cómo es nuestro mundo a través de mi trabajo. Mi motivación es ésa. Creo que el mundo está hecho de muchos fragmentos, por eso he hecho secuencias de imágenes iguales (mismo tamaño, misma manera).

(…) Podría decir que Iluminance es en sí mismo mi vida. El proceso de realización de mi trabajo es mentalmente terapéutico.

Rinko Kawauchi

Es difícil definir lo que es la belleza, depende de las personas, pero yo todavía pienso que compartimos las mismas cosas.

Rinko Kawauchi

Fuentes:

Dalpine

Photo/Graphy. Massimiliano Tiberi

Aperture

Pingmag

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