Archive for the ‘ Y más ’ Category

Samuel Aranda ganador del World Press Photo 2012

Samuel Aranda ha sido galardonado con el Word Press Photo 2012 por una fotografía realizada en una mezquita de Saná, capital de Yemen. La imagen está tomada en una mezquita convertida temporalmente en hospital durante las manifestaciones contra el presidente Ali Abdullah Saleh en octubre de 2011. En ella, una mujer con niqab sostiene a un familiar herido.

“Es una fotografía que habla de toda la región. Refleja la situación de Yemen, Egipto, Tunisia, Siria y todo lo que ha pasado en la Primavera Árabe. Pero muestra el lado privado e íntimo de lo que ocurrió. Y enseña el papel que jugaron las mujeres, no sólo como cuidadores, sino como personas activas en el movimiento”, ha dicho Koyo Kouoh, uno de los miembros del jurado.

Por su parte, otro miembro del jurado, Aidan Sullivan, ha declarado: “Quizás nunca sepamos quién es la mujer que sostiene a su familiar herido, pero juntos se han convertido en la viva imagen del coraje de personas anónimas que ayudaron a escribir un importante capítulo  en la historia de Oriente Medio”.

Samuel Aranda, ha dicho en Lens, el blog del New York Times: “Cuando volví a casa y vi la foto en la pantalla fue algo así como “guau”. La mujer no estaba solo llorando. Era algo más. Podías sentir que era muy fuerte”

La última vez que un español ganó este premio fue en 1981 cuando Manuel Pérez Barriopedro fotografió a Antonio Tejero durante el intento de golpe de estado del 23-F.

En esta es la 55º edición del premio al que se han presentado 101,254 fotografías enviadas de 124 países. El lema de la fundación de World Press Photo dice “Existimos para inspirar la comprensión del mundo a través de la calidad del fotoperiodismo”.

Aquí la web de Samuel Aranda.

Premios Unicef 2011

Ya han salido los premios Unicef 2011, entre ellos tenemos un español, JM López, que ha ganado el segundo. Aquí os dejo la traducción los textos que acompañan los tres primeros premios en la web de Unicef, donde también podéis ver las menciones de honor.

Primer Premio: ‘Niños de Sodoma’ de Kai Löffelbein

Estamos acostumbrados a recoger el papel usado, las botellas, etc. y llevar los aparatos electronicos a puntos de reciclaje o de vuelta al fabricante. Haciendo esto sentimos que administramos nuestros recursos sensatamente. (Aunque quizás no sea muy sensato seguir comprando cosas nuevas constantemente). Pero muchas veces no queda claro, a pesar de las prohibiciones legales, adónde van realmente nuestros aparatos. De acuerdo a las estimaciones de Naciones Unidas, alrededor de 100.000 toneladas de residuos electrónicos se exportan, por ejemplo, de Alemania a África cada año.

‘Sodoma y Gomorra’ es cómo llaman a los vertederos de residuos tóxicos en el barrio Agbogbloshie de Accra, capital de Ghana. Es donde niños y adolescentes desmontan ordenadores, teléfonos móviles, televisiones y otros aparatos y queman los sistemas electrónicos para conseguir metales valiosos. El aire se llena de vapores nocivos; plomo, cadmio, zinc, cromo, niquel y otras sustancias químicas son emitidas dañando la salud de todo aquel que las inhala: dolores de cabeza, mareos, erupciones cutáneas y daños en el sistema nervioso son las consecuencias. Sin mencionar los residuos altamente tóxicos que contaminan la tierra. El fotógrafo alemán Kai Löffelbein ha sido testigo de toda la complejidad del problema: en teoría, el contenido de los residuos electrónicos como oro, plata y paladio se debería reciclar en países industrializados como materias primas valiosas. Y técnicamente, en gobierno ghanés debería prohibir la importación de este tipo de residuos. Pero no existe esa prohibición porque la gente puede hacer dinero comerciando con la chatarra. Pero, al final, todo se trata del principio de que ‘el que contamina paga’. Aquellos que crean el problema son los responsables de tratar los residuos de manera sostenible. Es nuestra responsabilidad.

Texto original y reportaje completo.

Segundo Premio: ‘Sequía, pobreza y hambre’ de JM López.

Marisela tiene seis años y medio y pesa 9 kg. Alex tiene seis meses y pesa 3 kg, Maira tiene dieciséis años y pesa 20kg. Son tres de los muchos niños que están por debajo de su peso en el este de Guatemala sufren de malnutrición severa en el llamado ‘corredor seco’. Debido a la falta de nutrientes vitales en los periodos más importantes de su crecimiento, estos niños sufren daños físicos y psíquicos irreversibles.

Durante su investigación en las provincias de Jalapa, Chiquimula y Zacapa, el fotógrafo español JM López se encontraba contínuamente con los mismos problemas: incremento de la sequía en las tierras ya de baja calidad de que disponen los campesinos debido al cambio climático y a las décadas de retraso en la reforma agraria. El 15 por ciento de la población todavía posee el 70 por ciento de las tierras de cultivo del país.

Aparte de las instituciones en las que JM López ha tomado fotos y de la ayuda médica temporal que provee de suministro de nutrientes, es obvio que la mejora sostenible de las condiciones de vida en Guatemala sólo se puede conseguir con un cambio estructural y político global. Por lo tanto, Unicef junto con organizaciones afiliadas y el gobierno guatemalteco tienen como objetivo reducir la malnutrición crónica en niños menores de cinco años en un 10% para el 2014 así como garantizar acceso a servicios médicos para niños y mujeres embarazadas. En concreto, esta campaña se centrará en 130 comunidades con los indicadores sociales más bajos y los mayores porcentajes de pobreza y de población rural indígena.

Texto original y reportaje completo.

Tercer Permio: ‘La línea de polio en la arena’ de Mary F. Calvert

Kano es la capital del estado con el mismo nombre en Nigeria. Poliomelitis, normalmente abreviado a polio y también llamado parálisis infaltil, es una enfermedad viral incurable. ¿Qué tienen que ver Kano y Polio entre ellas? En 2002, el fanatismo religioso islámico combinó la falta de conocimiento con una campaña de odio contra la influencia occidental que llevó a Kano rechazar la campaña de la Organización Mundial de la Salud contra el polio. Se extendió el rumor de que le habían echado a la vacuna drogas que provocaban antifertilidad e incluso que Occidente las usaba para extender el SIDA. Las consecuencias fueron fatales: después de cuatro años de desinformación, más de 3000 niños contrajeron la polio. Pero la gran cantidad de niños que sufrían permanentes problemas de salud hicieron cambiar de idea hasta los líderes con más prejuicios. Ahora, apoyan las vacunas preventivas. Junto a otras organizaciones, Unicef ha estado llevando a cabo campañas de información y concienciación que han demostrado ser muy efectivas: de 2009 a 2010, el número de casos de polio en Nigeria, han descendido en un 95%.

Capturar la reivindicación del derecho a la integridad física y a la buena salud, en particular en mujeres y niños, ha sido la motivación principal que está detrás de las imágenes más impresionantes que la fotógrafa americana Mary F. Calvert ha hecho en muchos años.

Texto original y reportaje completo.

‘La última sesión’ de Marilyn Monroe por Brent Stern

“Quieres fotografiarme desnuda, ¿verdad?”

Bert Stern, la última persona que retrató a Marilyn Monroe, recuerda el impacto profesional y emocional que tuvo la sesión de su vida. Todo un festín erótico que no gustó a ‘Vogue’ en su día, hace ahora 50 años. “Olvidé que estaba casado. Estaba enamorado”, confiesa. “Era mucho más guapa de lo que esperaba”

Parecía un buen principio. Era jueves, 21 de junio. En Los Ángeles hacía calor, pero ella había querido esa ciudad y él cruzó el país para encontrarla en el hotel Bel Air, suite 261. Él reservó allí sin saber que era uno de sus hoteles favoritos. De Nueva York llevó vestidos, pañuelos, collares. Y encargó tres botellas de Dom Pérignon. La esperaron cinco horas,él y su champán. Y Marilyn apareció, sonriente, esbelta, casi transparente, “hermosa, trágica y compleja”, que diría él. Todo había empezado bien. No acabaría igual.

Porque Marilyn Monroe cumplió su tarea, y Bert Stern la suya. Aquel junio de 1962, la actriz posó para el fotógrafo con y sin ropa, rubia y morena, pensativa y a carcajadas. Pero nunca vio esas imágenes publicadas: el 5 de agosto aparecía muerta en su cama junto a un bote vacío de barbitúricos. “Entonces supe que mi historia de amor con Marilyn había acabado”, explica Stern medio siglo después al recordar el adiós de su musa, de la que apenas mes y medio antes había tomado las 2.571 imágenes que cambiarían su carrera.

Aquellas fotos fueron bautizadas The last sitting (La última sesión). Ahora él desmenuza las impresiones acerca de la ?por qué no? mayor estrella del cine en un libro editado por Taschen con muchas de esas imágenes del que solo hay 1.962 copias, a 750 euros cada una, con notas del dos veces Pulitzer y biógrafo de la actriz Norman Mailer. Stern da cuenta de ello en conversación telefónica desde Nueva York. “Es mi sesión más popular”, repite incansable. “No sé si la mejor, pero la más popular. Soy el fotógrafo que hizo las últimas fotos de Marilyn Monroe”.

Para Stern, por cuya cámara habían pasado Twiggy o Audrey Hepburn, la diva era un reto. Recién contratado por Vogue, volando a Roma para retratar a Elizabeth Taylor en Cleopatra, Monroe se cruza por su mente. Y consigue una cita. “Tenía una llamada de mi secretaria. ‘Marilyn dice sí, Vogue dice sí. Los Ángeles. 21 de junio’. Hice las maletas”.

Eran las primeras fotografías de Monroe para la revista. “Necesitaba descubrir algo no capturado”, cuenta Stern en el libro. Richard Avedon le había hecho unas lujosas fotos para la revista Life, “estupendas para el mundillo, pero no íntimas. No daban ninguna sensación de quién era ella”. Dispuso todo: intimidad, luz, complementos. Sin saber de cuánto tiempo dispondría ni el humor de la diva. Ella, al fin, apareció. “Olvidé que estaba casado, olvidé mi vida en Nueva York. Estaba enamorado. Era mucho más guapa y más fácil de trabajar de lo que esperaba”.

El sol se ponía sobre California. Él preparó sus cámaras (“una Hasselblad en blanco y negro y una Nikon de 35 milímetros. Aún deben estar por mi apartamento”) y preguntó con cautela de cuánto tiempo disponían. “¿Estás de broma?”, replicó ella. “¡De todo el que queramos!”. “Ya es mía”, pensó Stern. Fotográficamente hablando.

Él le enseñó los complementos. “¿Quieres fotografiarme desnuda, verdad?”. “Es una buena idea”, dijo él, dudando si Monroe aceptaría. “No estarás exactamente desnuda, tienes un pañuelo”. “¿Cuánto podrás ver?”, inquirió ella. Depende de la luz, afirmó él. Norma Jean solo pidió una última opinión: a su peluquero, al que le pareció “una idea divina”. Y descorcharon el Dom Pérignon.

Todo dependió de la luz. Una Norma Jean de 36 años, delgada pero curvilínea y sensual, se transparentaba bajo un pañuelo. “Estaba llena de ideas”, asegura Stern. Las luces realzaban su piel transparente y su pelo de plata, las primeras arrugas bajo los ojos y los surcos de su boca. Y una marca en el costado, recuerdo fresco de una operación de vesícula. “Vi la cicatriz. Una imperfección que solo la hacía parecer más vulnerable y acentuaba la suavidad de su piel. Era de color champán, de color alabastro…Podías meter un dedo en su piel, como probar un merengue recién hecho”.

Pero Stern no probó nada. “No discutimos de nada. Solo tomamos fotos, fue todo lo que hicimos”, rememora por teléfono. Y descarta conspiraciones que aseguran que con la actriz había personal de seguridad e incluso algún miembro del clan Kennedy. “Estábamos nosotros, su peluquero y el hombre que le maquilló los ojos. Prefirió no llevar más maquillaje, solo se puso crema en la cara y el eye-liner. De su propio maquillaje”. De fondo, All I have to do is dream, de The Everly Brothers. “Música de aquella época”.

Hasta que amaneció. Monroe quedó contenta a medias con el trabajo. Ella misma tachó algunas de las pruebas de revelado que no la mostraban en la perfección deseada. Hay páginas con 24 negativos de los que se salvan apenas cuatro. A Vogue tampoco le convenció. ¿Y los vestidos y el glamour? Stern guardó sus inservibles contactos.

Modelo y fotógrafo se reencontraron con más ropa y una estilista para supervisar todo. Un vestido negro de Dior resaltaba la palidez de la estrella, que quiso jugar como la primera vez: peluca negra, camisa blanca, collar de perlas. Un abrigo de pieles que solo roza su cuerpo. Una cama medio deshecha. El mismo escaso maquillaje. Disparo a disparo, recuento final: 2.571 fotos.

“Su belleza estaba en su espíritu”, explica él, con voz serena. “No creo que pudiera hacer una sesión así actualmente. La recreamos con Lindsay Lohan para New York Magazine, pero estaba copiando mis propias fotos. No hay nadie a quien desee fotografiar hoy. Las otras estrellas no son nada comparadas con Marilyn Monroe”.

Cinco semanas más tarde, el mundo despedía a la chica de las tres botellas de champán. Ese 5 de agosto, Monroe llamó a Stern. “Nunca cogí esa llamada. Me lo contó alguien años después. Habría hecho todo lo que hubiera podido para ayudarla. Nunca imaginé ese final, jamás. Pensé que era feliz con su vida y su carrera”, narra con abrumadora seriedad. Otras cinco semanas después salía Vogue, con 10 páginas sobre Marilyn, sus primeras en la revista y su despedida, apenas una muestra de esa intimidad. El resto aguardó 20 años en un cajón hasta que, en 1982, la revista Eros publicó las imágenes de esa Marilyn definitiva. Dieron la vuelta al mundo. La última sesión, la que comenzó con un encuentro entre dos desconocidos con cinco horas de retraso, un pañuelo transparente y una cicatriz se convirtió en la más sincera. Marilyn necesitaba sus 2.571 grandes despedidas.

María Porcel Estepa 12/11/2011

El País.

Clases magistrales de Steve McCurry (1-5)

Phaidon está sacando una serie de clases magistrales de un minuto con Steve McCurry. Por ahora, ha sacado las seis primeras partes de diez. Os dejo las cinco primeras con la traducción debajo.

1.- No olvides decir ‘hola’

Cuando fotografías a gente lo primero no es la fotografía en sí, sino el llegar a conocerlos, hacer que confíen en ti y pasar algún tiempo con ellos, aunque sólo sea un minuto. Pero antes de ponerte la cámara en la cara, tienes que tener contacto visual, conversación, conocerlos, decir ‘hola’, saludarlos y relacionarte con ellos antes de nada, como otro compañero humano porque son personas y no sólo un tema que fotografiar.

Siempre procuro tratar a la gente con respeto y no correr y ponerle la cámara en la cara. Creo que la gente en general siempre responde bien si te tomas tu tiempo, los miras a los ojos, los respetas y los tratas al fin y al cabo como personas reales y no sólo como una curiosidad que fotografías desde el otro lado de la calle.

2.- Escoge un punto de vista privilegiado

Cuando fotografías las calles de cualquier ciudad o incluso callejones de pequeños pueblos, tienes que mirar a tu alrededor y observar los distintos elementos, los edificios, cómo se mueve la gente… Y ver cuál es el mejor punto de vista para fotografiarla, si al nivel de la calle o en la primera, segunda o tercera planta de un edificio para tener una vista general de la ciudad.

Muchas veces, me encuentro llamando a puertas de casas para que me dejen subirme al tejado o para hacer el retrato de alguien y he encontrado prácticamente en todo el mundo gente que si le explicas lo que haces, están dispuestos a dejarte entrar. Eres un extraño llamando a la puerta de alguien y pocos minutos más tarde estás metido en su casa, en su habitación o su salón haciendo tu foto. Así que todo depende de cómo te relaciones con la gente y cómo desarrollas una conexión con ellos haciéndolos formar parte del proceso y haciéndolos creer en lo que haces. Cosas maravillosas pueden salir de ahí.

3.- Vive el momento

Cuando voy andando por la calle de cualquier sitio, voy mirando todo lo que me rodea, la arquitectura, la gente, quizás un perro o un gato que hay en la acera. Creo que hay que ser muy observador, tienes que mirar a todos lados y ser muy consciente del momento presente y del ambiente que te rodea.

Prefiero fotografiar solo. Me gusta pasear en silencio observando lo que puede pasar a mi alrededor. En cuanto empiezas a charlar con otra persona, pierdes la presencia de la calle y tu mente se va a otro lado. La fotografía es una tarea solitaria y es importante estar solo ahí fuera  explorando, descubriendo y viviendo la aventura.

4.- El humor hace gran parte del camino

Creo que la mejor forma de acercarte a la gente en la calle, es hacerlo como un igual, como un compañero, con todo el respeto por lo que hacen. La gente nota si  estás con ellos al mismo nivel, si los aprecias. Si realmente estás fascinado y te interesa esa gente, eso se transmite en una comunicación no verbal. La gente sabrá que realmente quieres fotografiarles porque los encuentras fascinantes y no porque sean objetos de curiosidad. Una vez que esto se transmite, pasan todo tipo de cosas increíbles, la gente se abre y les gusta que les fotografíes.

Tratarlos como iguales, ésa es la clave, un poco de humor y un par de bromas hacen gran parte del camino. Es la mejor forma de acercarse.

5.- Tienes que reaccionar rápido

Si veo una foto o persona interesante no lo pienso demasiado, quiero hacer la foto tan rápido como pueda. Tiene que salir de las tripas, del corazón. Tienes que ver el momento. No puedes intelectualizarlo, ni pensar demasiado, tienes que hacerlo y seguir tus instintos, lo que sientes. Luego ya llegará el momento de pensar pero tienes que ver el momento porque las cosas son efímeras, cambian rápido y si esperas puedes perder una expresión o una mirada, así que tienes que ser rápido, ver ese momento y hacer la foto enseguida.

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‘Peregrinación’, el último trabajo de Annie Leibovitz

Cataratas del Niagra

El último trabajo de Annie Leibovitz se titula Pilgrimage, (Peregrinación), y en él no aparecen actores, modelos ni políticos, de hecho no fotografía a una sola persona. Es un recorrido por lugares y objetos relacionados con gente que le importa.

El proyecto lo concibió con Susan Sontag pero, tras la muerte de ésta y la mala racha financiera que sufre, lo dejó apartado. Agobiada por el dinero y los abogados, decidió pasar unas semanas con sus hijas en las cataratas del Niagra para recompensarlas. Nada fue bien durante el viaje, pero cuando por fin llegó a las cataratas se quedó “impresionada por la belleza del agua” y esa foto se convirtió en el comienzo de esta peregrinación así como en la portada del libro.

Fue un infierno hacer este libro con todo lo que estaba pasando. Me decían constantemente que no me daría dinero y que lo dejara. Pero realmente quería hacerlo. Tenía que salvar mi alma.

Patio de la casa de Georgia O’Keeffe en Abiquiu, Nuevo México.

Una de las visitas más emocionantes fue a Nuevo México:

Cuando era joven, Georgia O’Keeffe representaba un gran concepto, una idea estereotípica, para nosotras, de lo que es ser mujer. Pero esa idea nunca llegó a calar realmente en mí.

Fue a su casa y, en cuanto entró a su estudio, empezó a llorar.

Fue muy emotivo. Ella fue real. Fue muy criticada. Volví varias veces. Lo primero que me llamó la atención es lo poco que necesitas. Ella tenía sus vistas. Su cama. Hacía sus propios pasteles. Tenía música, adoraba la música. ¡Tenía los mejores altavoces! Pero no demasiadas cosas.

En cuanto al hecho de fotografiar objetos y lugares en lugar de personas, como siempre ha hecho, comenta:

Tuve que aprender a fotografiar objetos. No conocemos a Thoreau, ¿verdad? Lo único que tenemos es su trabajo y sus cosas. La primera vez que vi la cama de mimbre en la que dormía, me sentí tan desbordada que no sabía como afrontarlo. (…) He tenido una sensación parecida a la que tengo cuando fotografío a las personas. En realidad, nunca me alejo de la gente. Para mí, éstas también son fotografías de personas. Es lo único que nos queda para conocerlos. Me enfrento a las cosas que se están desvaneciendo, desmoronando, desapareciendo. ¿Cómo podemos conservarlas?

Habitación de Virginia Woolf en Charleston, Inglaterra.

Hablando del proceso de creación artística, comenta:

El talento es algo que puede tener cualquiera, pero puede desaparecer. Necesita que lo alimenten, que lo cuiden. Lo mejor de hacerse mayor es que sabes lo que haces -si te centras en algo. No es que sea más fácil pero te vuelves más fuerte. Peregrinación es una ejercicio para cuidar lo que hago. Mis libros son la forma que tengo de expresarme por completo.

Y concluye:

Animaría a cualquiera a que hicieran su propia lista. Mi libro es una meditación de cómo vivimos. Es una idea anticuada pero siempre deberías intentar hacer lo que te encanta hacer.

Laboratorio de Ansel Adams en Carmel, Calif.

Fuente y más fotos en el NYTimes.

Aquí tenéis una entrevista en la que habla del libro. Y si alguien anda por Nueva York, esta tarde estará firmando el libro a las 7 pm aquí y el 9 de diciembre estará en el ICP.

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– Annie Leibovitz At Work.

– Annie Leibovitz vs Diane Arbus y Richard Avedon.

¿Cómo lo hacen?: Antonio Xoubanova

Aquí os dejo un vídeo en el que Xoubanova habla sobre cómo surgió su trabajo Casa de campo y cómo lo fue desarrollando a lo largo de los años. Espero que os guste.

Un vistazo a: Zhe Chen

Zhe Chen, entre la poesía y la repugnancia.

Interview with Phil Toledano

Why do you take pictures?

My father was a painter, but i was usless at that, so  i started taking photographs!

Sergio Edgardo Andrada Lapenne:  What do you understand by “art”?

I suppose art, for me at least, is an expression of things within me. intellectual, emotional things, but feelings and thoughts that i must say out loud.

Your first projects, like Gamers, were very intellectual, and then they became much more emotional. Has it been a conscious evolution? Has it been an inner search o it has been something that just happens unconsciously?

Unconsciously for sure. I just follow my heart, although it’s safe to say that since doing ‘days with my father’, i’m much more focused inwards than i used to be.

Fernando Gómez: I love your project Days with my father. I think you have been able to find beauty in your father illness. I suppose that it must have been a really touching project. Was it hard for you to carry out this project?

It wasn’t hard to do ‘days’. What was hard was the experience of taking care of my father. Of being confronted with the idea of mortality, both his and mine, every day, for three years.

I’ve heard that there is going to be a film about Days with my father, can you tell us something about it? Are you gonna take on the direction?

The book was optioned to be a film by a company in LA. I’ve written the treatment with a friend, and hopefully we’ll write the screenplay. I don’t think i’ll direct. It’s a long way from becoming reality, but it will be an interesting process. I’m worried of course, that the story, or the idea, will get lost, or become something i don’t intend it to be, but i don’t think there’s much i can do about that now!

In Kim Jong Phil, instead of taking pictures, you paint. Did you enjoy the experience? Are you going to keep experimenting with different forms of expression?

America The Gift Shop AND Kim Jong Phil are both non-photographic ideas-and i really love reaching beyond taking photos, although i’m not actually doing the painting or the making of the pieces-i just come up with the ideas!… To be honest, the things that really inspire me these days are not photographs, but sculpture, painting, installation…

Are you going to keep working on The reluctant father?

I’m not sure. I don’t really know how good ‘the reluctant father’ is, really. I think it might be too ‘neat’ in the way it ends.

How do you know when a project is finished? How do you know when to stop shooting?

I always know when something is finished. I’m very aware of not wanting to say too much-i often feel that photographers say too much-that there’s not enough space left for questions, for your own mind to wander…

What gives you ideas and inspires you to create your work?

Everything, and nothing… To be honest, i really have no idea… I’m amazed and terrified because it would be much easier if i know where my ideas sprang from…

Do you think about how a certain work is going to be sold when you set it out?

Never… In fact, it’s safe to say that not much of my work sells at all… Sadly, i don’t make art that people want to hang above the sofa in their living rooms…

Fernando Gómez: What are the greatest lessons you’ve learned in your photographic career so far?

That everything is possible, and that i’m not going to be an overnight success.

Fernando Gómez: Something you’re still learning about photography?

I’m not really learning about photography, i’m learning about myself, how far i can go, how much further i’d like to go…

Moni Navarro: Film or digital? Why?

Digital, because i’m lazy and i don’t really care about techinical stuff!

Do you do the retouching yourself? Do you have a regular team who helps you with this?

Retouching only really happens on editorial work, but someone does it for me-i’m terrible at that kind of thing.

Fernando Gómez: You believe that photographs should be like unfinished sentences. There should always be space for questions. What kind of questions and answers you think people get from your work? Do you think that the same project can arise utterly different questions?

I have no idea-you’d have to ask them! But in some ways, i’m delighted if the same projects makes different people ask different questions… Isn’t that one of the points of art? To move the mind?

How was the experience of being selected in Descubrimientos PhotoEspaña 2010?

I was happy to get in, but disappointed not to win!… I’m very attached to Spain, since that’s where my family came from, a very long time ago…

How do you face the prizes and recognition?

I don’t think i have that much recognition, so i’m always suprised by it!

Gloria: What else are you passionate about, other than art and photography?   

Light, watching everything, being suprised, eating chicken fried rice, making my two year old laugh uncontrollably, video games, feeling anonymous, hearing someone say they like my work…

The best tip: do exactly the thing you’d like to do, and don’t listen to anyone else-the world will let you know if you’re a genius, soon enough.

Spanish translation.

Taller con Matías Costa en Lens

Ya hemos puesto en más de una ocasión citas del blog del Matías Costa. Ahora os dejo el video del taller que hizo en Lens y al que tuve la suerte de poder asistir. Al igual que el de Ricky Dávila, no tiene desperdicio.

Barbara Davidson gana el Pulitzer 2011

Barbara Davidson ganó el Premio Pulitzer 2011 en la categoría Fotografía. La fotógrafa de Los Ángeles Times publicó una serie de imágenes de la odisea de los abatidos por la violencia callejera, muchos de ellos víctimas inocentes.

Davidson pasó casi dos años en las comunidades del sur de Los Ángeles, Compton y Watts. En un principio, según cuenta el diario, Davidson no sacó su cámara fuera del auto por varios días. Primero fue parte de la comunidad convirtiéndose  en una persona cercana para los padres, pastores, trabajadores de intervención de pandillas y víctimas.  La buscaban para hablar o para sentarse tranquilamente con alguien. Otras veces, le pidieron que documente fiestas de cumpleaños, funerales, y visitas a los cementerios.

Revisa su espectacular trabajo aquí.

Lo he sacado de aquí.

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