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Mike Brodie. Sin fronteras

Mike Brodie tenía 17 años cuando saltó a su primer tren intentando escapar del aburrimiento. En ese momento comenzó un viaje de 5 años en el que recorrió Estados Unidos colándose como polizón en trenes de carga. Llevaba una cámara con la que documentó gran parte de sus viajes. En 2012, publicó A Period of Juvenile Prosperity que apareció en varias listas de los mejores libros del año. Recientemente ha publicado Tones of Dirt and Bone, libro en el que recopila 50 polaroids tomadas durante los dos primeros años de su viaje, antes de que dejaran de fabricar la película.

Mike Brodie

Mike Brodie, A Period of Juvenile Prosperity.

Es como cuando un perro saca el hocico por la ventana y el viento le golpea, todos sus sentidos se acentúan, he oído que los perros se colocan así. Pasa lo mismo cuando vas en el tren. Los vagones no son para gente cómoda. Están hechos sin ningún confort, son cargueros, vas al aire libre y ves el mundo de la misma manera pero diferente.

Cuando vas en el tren no te das cuentas cuando cruzas las fronteras, es como, vale estoy en otro estado pero todo parece un gran estado.

Mike Brodie

Mike Brodie, A Period of Juvenile Prosperity.

Reconozco que la fotografía siempre idealiza las cosas pero ese tipo de vida es romántico la mayor parte del tiempo, al menos en primavera y verano. Mientras te guste la vida al aire libre y no te importe ensuciarte o no poder cambiarte de ropa durante meses, es fantástico.

Mike Brodie

Mike Brodie, A Period of Juvenile Prosperity.

No teníamos mucho dinero, ni responsabilidades, hacíamos lo que queríamos, y no teníamos un duro pero las cosas salían bien, conseguíamos comida gratis, la gente nos llevaba, cogíamos trenes gratis, algunos vivían de ocupas… Era un tipo de vida libre que podríamos llamar próspera. No éramos exactamente sin techo porque la mayoría de nosotros había elegido ese tipo de vida.

Aprendí mucho sobre la gente y sobre cómo funciona nuestro país. Creo que es una educación mejor que ir cuatro años a la universidad. No miré muchos libros ni estudié, pero miré a mi alrededor y aprendí muchísimo.

Mike Brodie

Mike Brodie, A Period of Juvenile Prosperity.

Esta foto fue idea suya. Estábamos sentados al atardecer y me dijo, ‘Brodie, tengo una idea’ se desabrochó la camisa, se puso detrás de la baranda. Se podría haber caído y haber muerto pero no se te pasa por la cabeza, el tren va a 50 millas por hora, estaba bien agarrado, no iba a pararlo. Hice algunas fotos, sacó el dedo, yo me reía, me costaba trabajo sujetar la cámara… Pero todavía quiero preguntarle cuál era su intención porque yo creo que muy en el fondo él sabía que un día el mundo iba a ver esta fotografía. En mi opinión, estaba lanzando un mensaje a la sociedad.

Mike Brodie

Mike Brodie. Tones of Dirt and Bones

 

Estaba con cada persona un buen rato y centrarme de verdad, asegurándome que tenía la foto que realmente quería sin desperdiciar mucha película. Normalmente tomaba dos o tres fotos.

A diferencia de muchas de las fotos hechas en ‘caliente’ en los trenes –imágenes que cuando las miro, pienso ‘no me puedo creer que esto pasara’- hacía las Polaroids cuando estaba ‘seguro’, cuando podía tomarme mi tiempo.

Desarrollar las habilidades asociadas a un oficio debería ser la prioridad. Hoy hay una epidemia de poner al artista antes de perfeccionar el oficio. Deberías pasar mucho más tiempo poniendo en orden lo que sabes antes de decir que eres esto o lo otro.

 

 

 

Mike Brodie, que este año cumple 30, dice que ya no hace fotos y trabaja como mecánico, trabajo que combina con diversas exposiciones de sus anteriores trabajos.

He intentado fotografiar lo que me pasa ahora en mi día a día pero no puedo. Puedo ser fotógrafo o mecánico. No puedo dejar lo que estoy haciendo para hacer otra cosa. Está en dos partes diferentes de mi cerebro. Es todo o nada.

Mike Brodie. Polaroids

Mike Brodie. Tones of Dirt and Bone

 

Web de Mike Brodie

Fuentes: Guardian, Time, Npr

Stephen Gill. La esencia forma parte del juego

Stephen Gill

Buried

Si algo caracteriza la trayectoria de Stephen Gill, es su capacidad para crear siempre algún juego ingenioso en sus proyectos. En su libro Hackney Wicks, fotografía este barrio de Londres, con una cámara que compró en un mercadillo de allí por 50 peniques. En Hackney Flowers, recogió plantas, flores y semillas, colocándolas sobre las fotografías y refotografiandolas, creando unos collages dimensionales. Para otras series, como Buried, enterró fotografías para “permitir al lugar en sí mismo imprimir en las imágenes su deterioro y marcas”. También ha introducido objetos, como trozos de plantas, semillas, cristales e incluso insectos dentro de la cámara, como en su libro Outside in, “una forma de incluir la esencia actual de un lugar en una imagen, el ruido visual y el caos”

Stephen Gill

Outside in

Fotógrafo autodidacta, fue su padre, químico y fotógrafo aficionado, quien le introdujo en el cuarto oscuro, la cámara y el microscopio. Él mismo, indica que en su adolescencia, estaba obsesionado con los estanques y en el estudio de esos pequeños mundos a través de un microscopio. “Esta obsesiva inmersión en este extraño y confuso mundo, produjo un gran efecto en mi personalidad”, indica su libro Coexistence, “ y desde luego ha dejado una huella en todos los trabajos que he producido posteriormente”.

Hackney Flowers

Me imagino que, cuando en el verano de 2010 el Centro Audiovisual de Luxemburgo eligió a Stephen Gill para un encargo sobre los sobre los restos de de la industria de los altos hornos en la ciudad de Dudelange, no esperaría un trabajo convencional.

Para este encargo, Coexistence, Stephen Gill se concentró en un estanque que tradicionalmente fue utilizado para enfriar los altos hornos. Le pareció curiosa la nueva vida de comunidades microscópicas que habían florecido allí. Gill utilizó un microscopio de la Universidad de Luxemburgo y un cubo de agua sacada de este mismo estanque. Con el microscopio, estudió y fotografió las criaturas minúsculas y la vida vegetal. Paralelamente, cargando con el cubo de agua del estanque, mojaba su cámara acuática en éste antes de retratar a los residentes que se encontraba de Dudelange, creando formas abstractas que conectan con la vida microscópica acuática. El resultado, página a página, es hacer a la mente saltar entre lo reconocible y lo indistinguible, entre lo científico y lo conceptual.

Coexistence

Incluso, introdujo algunas de las fotografías en el estanque para permitir a las bacterias y microorganismos impregnar las copias. Como siempre, intentado incluir la esencia del lugar en el trabajo, para que forme parte de él.

Stephen Gill mismo aprendió a hacer la portada del libro con papel de agua. Los libros están forrados con seis tipos de papel diferentes y un papel único para las ediciones especiales.

coexistence

Coexistene

Él mismo indica en el epílogo del libro: “Cuando se acercaba el octavo mes después de mi primera visita al territorio, mi mente empezó cada vez más a centrase en los mundos microscópicos dentro de otros  mundos, y empecé a ser más consciente de los muchos paralelismos que hay entre los patrones y procesos en el estanque con nuestras propias vidas como individuos humanos dentro de la sociedad… Poco a poco, empecé a estar más comprometido con la idea de intentar acercar visualmente estos mundos tan cercanos físicamente, tan aparentemente dispares y tan diferentes en su tamaño.”

Coexistence

Un trabajo alucinatorio y de belleza extraña, más parecido a la pintura que a la fotografía, con el que entendemos las muchas posibilidades que hay a la hora de afrontar un proyecto, y lo mucho que hay por hacer en fotografía.

Stephen Gill

Coexistence

Visita su web

Se pueden ver algunas páginas del libro en Photo-eye

Fuentes:

Lens Culture

Wayneford’s posterous

Bjp online

Edward Burtynsky, las fotografías nos delatan

Cantera abandonada de granito, Rultand, Vermont, 1991.

Cantera abandonada de granito, Rultand, Vermont, 1991.

Lo narrativo está abierto. La gente me pregunta si soy un ecologista – y yo digo que no (…) Es más, he tenido mucho cuidado de no enmarcar mi trabajo de una forma activista o política. Eso sería muy restrictivo en los términos de cómo el trabajo podría ser usado en la sociedad y en cómo podría ser interpretado. Veo el trabajo un poco como si fuera el test de Rorschach. Si miras un campo petrolífero y ves un acto de heroicidad industrial, entonces quizá seas un tipo de empresario en el negocio del petróleo y estás pensando “¡Esto es fantástico!”, “¡Todo el dinero que se puede hacer de aquí!”. Pero si eres alguien de Greenpeace, o de cualquier otra organización parecida, lo vas a ver de manera muy diferente. Los seres humanos se pueden delatar a sí mismos dependiendo de lo que eligen ver como más importante o como detalle más significativo en una imagen.

Rock of Ages, Granite Quarry, Bebee, Quebec, 1991

Rock of Ages, Cantera de Granito, Bebee, Quebec, 1991

Hay una historia divertida sobre esto.  Después de seis años y dos exposiciones de las canteras Rock the Ages de Vermont, quería hacer un trato con ellos.  Una fotografía a cambio de algunas baldosas de granito para una encimera de mi casa de campo. Me reuní con ellos para enseñarles diez de mis fotografías favoritas de las canteras, la mayoría eran de secciones abandonadas. Eran impresiones grandes de 1 x 1.25 metros, las desplegué y las mostré todas. Se quedaron totalmente callados.

Después de un molesto y embarazoso silencio dije: “Tíos, ¿qué os parecen?”. Alguien, creo que el director de las canteras, finalmente dijo: “¿Por qué alguien podría querer esto?”

Abandoned Granite Quarry, Rock of Ages Quarry, Barre, Vermont, 1991

Cantera abandonada de granito, Rock of Ages, Barre, Vermont, 1991

Realmente nunca nadie me lo había planteado de esta forma. Yo dije algo asi: “Bueno, son fotos interesantes que hablan de nuestra apropiación de recursos de la tierra. Es sobre esa toma acumulativa, la evidencia residual de esa toma y la naturaleza recuperándose de ese vacío”.

Y él me dijo. “En realidad, para nosotros no son interesantes. Bueno, realmente son imágenes tristes, porque son sitios donde no podemos obtener más piedra y tenemos que irnos a otro lugar. Para nosotros es el punto final. No querríamos tener que recordarlo todos los días”.

Cantera abandonada de granito, Rochester, Vermont, 1991.

Cantera abandonada de granito, Rochester, Vermont, 1991.

Le pregunté si el acuerdo se había acabado y contestaron. “Ah, no, puedes ir a el último sitio que hemos encontrado y fotografiarlo con todas las máquinas trabajando”. Y eso hice. No se incluyó en mi trabajo pero lo fotografié y conseguí mi encimera.

Cantera E.L. Smith, Barre, Vermont, 1991

Cantera E.L. Smith, Barre, Vermont, 1991

Extraido de Venue y Spread Artculture

Los cambios del mar, Michael Marten

Salmon fishery, Solway Firth. 27-28/03/06.Low water 5.20pm© Michael Marten

Salmon fishery, Solway Firth. 27-28/03/06. Marea baja, 5.20pm © Michael Marten

Salmon fishery, Solway Firth. 27-28/03/06. High water 12 noon © Michael Marten

Salmon fishery, Solway Firth. 27-28/03/06. Marea alta 12pm © Michael Marten

En el año 2003 estaba buscando un proyecto fotográfico que explicara cómo el paisaje está constantemente cambiando, no por la actividad humana, sino por procesos naturales como el clima, la erosión o los cambios de estaciones. En el camino de vuelta hacia el sur desde Edimburgo me encontré con este pequeño puerto en la costa de Berwickshire, en el sureste de Escocia. No es visible desde la carretera, pero había un sendero que bajaba desde el acantilado y las rocas de abajo eran tentadoras. Cuando fui hacia abajo encontré un túnel de treinta metros hecho a mano que atravesaba las rocas areniscas y más allá el puerto, todo arena y piedrecillas con la marea baja. Me pase allí  el día entero tomando fotos con mi 5×4 Wista.

Harbour, Berwickshire. 22/0/05.Low water 11am, high water 6pm© Michael Marten

Harbour, Berwickshire. 22/0/05. Marea baja 11am; marea alta 6pm © Michael Marten

Cuando llegué a casa y revelé la película, vi que había tomado más o menos la misma escena de las rocas dentadas y curvadas de alrededor del puerto con la marea baja en la mañana y con la marea alta por la tarde. El contraste entre las fotos me fascinó, cómo al subir el mar cambiaba completamente la perspectiva y la sensibilidad del paisaje. Inmediatamente supe que había encontrado mi proyecto. Así, me dispuse a encontrar lugares donde hubiera un gran diferencia visual entre la marea baja y la alta, y en el proceso me convertiría en un estudiante de mareas.

Worms Head, Glamorgan. 25/06/05. Low water 4pm

Worms Head, Glamorgan. 25/06/05. Marea baja 4pm © Michael Marten

Worms Head, Glamorgan. 25/06/05. High water 9.45am © Michael Marten

Worms Head, Glamorgan. 25/06/05. Marea alta 9.45am © Michael Marten

Normalmente voy a una zona de la costa durante los cinco días en la que la marea es más alta. Intento salir un par de días antes, así puedo explorar el área y buscar localizaciones. Esto debe hacerse cuando la marea esta baja, así puede verse lo que va a ser cubierto y lo que va a dejarse ver cuando el mar suba y baje. Selecciono un número de posibles localizaciones sobre un boceto de la costa, a veces apartadas hasta 75 kilómetros unas de otras. Incluso, en las misma localización, a veces tengo dos o tres puntos de vista diferentes. Cuando el agua está alta es un periodo de tiempo muy ajetreado. Visualmente la marea está alta por una hora aproximadamente. En ese tiempo tengo que fotografiar diferentes tomas, y puede que en diferentes localizaciones, corriendo a pie o en coche de un sitio a otro. El tiempo de las mareas bajas tiende a ser más relajado, ya que el agua está lejos durante tres o incluso cuatro horas.

Grain, Kent. 20-21/02/08.Low water 5pm, high water 1pm© Michael Marten

Grain, Kent. 20-21/02/08. Marea baja, 5pm; marea alta, 1pm © Michael Marten

Cuando tomo la primera foto del par, marco la posición del trípode con palos, piedras o marcas en las rocas, así me puedo instalar en la misma posición seis horas más tarde o el día siguiente. También coloco un papel de calcar, cortado a 5×4 en la pantalla de la cámara y marco con un lápiz las principales líneas que se mantendrán sin cambiar cuando suba o baje la marea -puede ser una roca, la pared de un puerto, un cabo y por supuesto el horizonte. Esto me permite encuadrar la segunda imagen del díptico exactamente igual que la primera.

Bedruthan Steps, 25-31/08/07. Low water 2pm 4.30pm © Michael Marten

Bedruthan Steps, 25-31/08/07. Marea baja, 2pm © Michael Marten

Bedruthan Steps, 25-31/08/07.High water 4.30pm © Michael Marten

Bedruthan Steps, 25-31/08/07.
Marea alta, 4.30pm © Michael Marten

Al estudiar las mareas queda claro que a pesar de todo el poder del ser humano de dar forma, manipular y dañar el planeta, hay ciclos profundos que se mantienen fuera de nuestra influencia. En el proceso geológico y en muchos de otros procesos naturales, la tierra es más fuerte, sutil y persistente de lo que podamos llegar a imaginar.

Porthcawl, Glamorgan. 17/05/07. Low water 12 noon © Michael Marte

Porthcawl, Glamorgan. 17/05/07. Marea baja, 12pm © Michael Marte

Porthcawl, Glamorgan. 17/05/07. High water 8pm © Michael Marten

Porthcawl, Glamorgan. 17/05/07. Marea alta, 8pm © Michael Marten

Extraído de Camera Obscura por Michael Marten

Exposición de Imogen Cunningham

Aprovecho los últimos días de esta exposición para recomendaros encarecidamente a los que no la habéis visto aún que vayáis, ya que estará hasta el 20 de Enero.

La obra de Imogen Cunningham al mismo tiempo poética y transgresora. Por un lado están sus fotos de objetos cotidianos y flores, llenas de poesía, tonalidades y volumen que parecen tener personalidad propia.

Flor de Magnolia, 1925.

Flor de Magnolia, 1925.

Las plantas de Imogen esperan, ni pasivas ni expectantes, sino en ese estado de aceptada tolerancia que surge entre los amigos muy buenos, de mucha confianza o de muchos años. Casi cada una de sus plantas se abre, se derrama hacia nosotros, desplegando una nota de personalidad que no contiene la idea de dureza. Su entrega se arriesga a esa potencial vulnerabilidad que es el riesgo que han de correr todas las relaciones donde se comparte y se confía, pero no se aprecian indicios de preocupación.

Thomas Joshua Cooper y Gerry Badger. Imogen Cunningham, catálogo de Fundación Mapfre.

Por otro lado, sus fotografías callejeras, desnudos y retratos. Fue la primera que fotografió desnudos masculinos, lo que escandalizó a la sociedad de principios del siglo pasado, llegando a ser tachada por algún periódico como mujer inmoral.

Ésta es quizás la fotografía que más me ha gustado por su solidez y sensualidad. En seguida me vinieron a la cabeza los pimientos de Edward Weston.

Espalda en espiral, 1929

Espalda en espiral, 1929

En 1928, Weston volvió de México a Los Ángeles, vio una exposición del County Museum de Los Ángeles y me escribió una carta. Decía que todo lo que había en la exposición era un espanto, hasta que llegó a una de mis fotos. Me dijo: “Si conserva ese nivel, se convertirá en una gran fotógrafa”. Muy alentador, ¿no le parece? A esa altura yo había trabajado veinte años más que él, pero él nunca había visto mis fotos. Cuando él me conoció, yo sólo era una hausfrau (ama de casa). Lo que yo hacía no había sido revelado aún al mundo.

Diálogos con la fotografía, Paul Hill y Thomas Cooper.

Edward Weston, 1930.

Edward Weston, 1930.

Es triste pero cierto que aprendemos a ver sólo muy poco a poco, aunque a la larga sí aprendemos algo… Realmente me gustaría tener palabras de aliento, sobre todo para los fotógrafos que empiezan, pero ¿qué decir (…) cuando te has pasado una larga vida errando en la incertidumbre, de la visión a la realidad y viceversa?

Imogen Cunningham, mogen Cunningham, catálogo de Fundación Mapfre.

imogen-cunningham

Imogen Cunningham por Abe Frajndlich, 1975.

Los que viváis fuera de Madrid, podéis visitar la exposición virtualmente aquí.

Jitka Hanzlová. Forest

En la Sala Azca de la Fundación Mapfre se expone una retrospectiva de Jitka Hanzlová, probablemente habréis escuchado las sensaciones que transmiten sus fotos y los maravillosos retratos renacentistas que tiene. Y probablemente todo lo que hayáis escuchado sea cierto, es una de las mejores exposiciones de fotografía que he visto este año y, si pasáis por Madrid antes del día 2 de Septiembre, no os la podéis perder.

Uno de los trabajos que más me han gustado ha sido Forest: ramas, arañas, troncos retorcidos, pisadas y la sensación de que hay algo más detrás de cada imagen. El libro lo podéis ver en la biblioteca del Reina Sofía, el prólogo está escrito por John Berger. Pura estética, puro miedo.

Bosque, árboles, fundación Mapfre

Iba a las colinas del bosque por la mañana temprano cuando el bosque despierta. Estando allí respiraba el viento, las serenas voces de los pájaros y el silencio que adoro. Y luego, cuando me concentraba en una foto, dejaba de oír el silencio a mi alrededor. Era como si estuviera en un sitio diferente, como en una película. El bosque comenzaba a moverse y, cuando miraba a través de la cámara, tenía miedo. Quizás fuera sólo el encuadre o la quietud de la noche anterior. Era como si los pájaros y grillos hubiesen dejado de cantar, como si el viento hubiese ido a parar al valle. Nada, absolutamente nada que escuchar. Ni pájaros, ni viento, ni gente, ni grillos. La oscuridad de la luz y este otro silencio hacía que se me pusiesen los pelos de puntas… No podía localizar exactamente el miedo, pero venía de dentro. Fue la primera vez que lo sentía tan intensamente, pero no la última. ¡Me escapé!

Jitka Hanzlová

bosque, ramas, naturaleza

Es habitual decir que las fotografías interrumpen o detienen el paso del tiempo. Lo hacen, aunque en miles de formas distintas. El ‘momento decisivo’ de Cartier-Bresson es diferente que la ralentización y detención del tiempo en las las fotografías de Atget, o su parada ceremonial en lasde Thomas Struth. Lo que es curioso sobre algunas de las fotografías de Jitka de Forest – no ocurre con fotos de otras series- es que parecen no haber parado nada. En un espacio sin gravedad no hay peso, y en estas fotos suyas son, por así decirlo, sin peso en términos temporales. Es como si se hubiesen hecho entre tiempos, donde no existe ninguno… En el silencio del bosque algunos sucesos son incómodos y no se pueden situar temporalmente por lo que desconciertan e incitan la imaginación del espectador. (…) Sentimos cómo ocurren, sentimos su presencia y todavía no podemos enfrentarnos a ellos, por lo que ocurren para nosotros, en algún lugar entre el pasado, el presente y el futuro.

John Berger.

bosque, forest, ramas, árboles

Ya sé que no es lo mismo pero, si no podéis venir a Madrid, una parte de la exposición se puede visitar virtualmente en la web de la Fundación Mapfre y, si no tenéis acceso al libro, le podéis echar un vistazo en la genial web Have a Nice Book. Mejor que nada.

En las fotografías de Jitka no hay bienvenida. Fueron tomadas desde dentro. Es el interior profundo de un bosque, percibido como el interior de un guante desde la mano que está dentro.

John Berger.

‘Forest’ de Jitka Hanzlová

En la Sala Azca de la Fundación Mapfre se expone una retrospectiva de Jitka Hanzlová, probablemente habréis escuchado las sensaciones que transmiten sus fotos y los maravillosos retratos renacentistas que tiene. Y probablemente todo lo que hayáis escuchado sea cierto, es una de las mejores exposiciones de fotografía que he visto este año y, si pasáis por Madrid antes del día 2 de Septiembre, no os la podéis perder.

Uno de los trabajos que más me han gustado ha sido Forest: ramas, arañas, troncos retorcidos, pisadas y la sensación de que hay algo más detrás de cada imagen. El libro lo podéis ver en la biblioteca del Reina Sofía, el prólogo está escrito por John Berger. Pura estética, puro miedo.

Bosque, árboles, fundación Mapfre

Iba a las colinas del bosque por la mañana temprano cuando el bosque despierta. Estando allí respiraba el viento, las serenas voces de los pájaros y el silencio que adoro. Y luego, cuando me concentraba en una foto, dejaba de oír el silencio a mi alrededor. Era como si estuviera en un sitio diferente, como en una película. El bosque comenzaba a moverse y, cuando miraba a través de la cámara, tenía miedo. Quizás fuera sólo el encuadre o la quietud de la noche anterior. Era como si los pájaros y grillos hubiesen dejado de cantar, como si el viento hubiese ido a parar al valle. Nada, absolutamente nada que escuchar. Ni pájaros, ni viento, ni gente, ni grillos. La oscuridad de la luz y este otro silencio hacía que se me pusiesen los pelos de puntas… No podía localizar exactamente el miedo, pero venía de dentro. Fue la primera vez que lo sentía tan intensamente, pero no la última. ¡Me escapé!

Jitka Hanzlová

bosque, ramas, naturaleza

Es habitual decir que las fotografías interrumpen o detienen el paso del tiempo. Lo hacen, aunque en miles de formas distintas. El ‘momento decisivo’ de Cartier-Bresson es diferente que la ralentización y detención del tiempo en las las fotografías de Atget, o su parada ceremonial en lasde Thomas Struth. Lo que es curioso sobre algunas de las fotografías de Jitka de Forest – no ocurre con fotos de otras series- es que parecen no haber parado nada. En un espacio sin gravedad no hay peso, y en estas fotos suyas son, por así decirlo, sin peso en términos temporales. Es como si se hubiesen hecho entre tiempos, donde no existe ninguno… En el silencio del bosque algunos sucesos son incómodos y no se pueden situar temporalmente por lo que desconciertan e incitan la imaginación del espectador. (…) Sentimos cómo ocurren, sentimos su presencia y todavía no podemos enfrentarnos a ellos, por lo que ocurren para nosotros, en algún lugar entre el pasado, el presente y el futuro.

John Berger.

bosque, forest, ramas, árboles

Ya sé que no es lo mismo pero, si no podéis venir a Madrid, una parte de la exposición se puede visitar virtualmente en la web de la Fundación Mapfre y, si no tenéis acceso al libro, le podéis echar un vistazo en la genial web Have a Nice Book. Mejor que nada.

En las fotografías de Jitka no hay bienvenida. Fueron tomadas desde dentro. Es el interior profundo de un bosque, percibido como el interior de un guante desde la mano que está dentro.

John Berger.

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