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Entrevista a Dayoung Kang

강다영 Dayoung Kang nace en 1984 en Hong-Sung, Corea del Sur. Es licenciada en fotografía por la Universidad de Chung-ang. Ha participado en diversas exposiciones en Europa (Finlandia, Alemania, Eslovaquia) y en Corea del Sur.

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De la serie Condensed Memory

¿Puedes contarnos brevemente cómo fueron tus inicios en la fotografía?

Voy a saltarme esta pregunta. No me viene nada a la mente.

(Dos semanas más tarde)

Vale, he estado pensando sobre mi pasado durante las últimas dos semanas. Todavía no estoy muy segura, pero ahora mismo tengo un amante. Existe la posibilidad de que empezara a hacer fotografías para conocer a esta persona. Es algo tan romántico. En realidad siempre he sido una romántica.

En tu serie Swallow reflexionas sobre la identidad y el anonimato. ¿Por qué no muestras los rostros de la gente en tus fotografías?

Creo que hay muchas maneras de definir el modo en el que fotografié Swallow. Simplemente lo hice porque quería. Fotográficamente, prefiero la tranquilidad, y mostrar los rostros en las fotografías puede resultar un poco chillón. El hecho de cubrir los rostros me tranquilizaba y me permitía contar más historias. Soy una de esas personas que encuentran la posibilidad de contar historias a partir de lo invisible.

Swallow

De la serie Swallow

Las fotografías de Swallow parecen haber sido impresas sobre tela o hechas con un transfer de Polaroid. El resultado me parece interesante. ¿Podrías explicarnos cómo has logrado ese efecto en el post-procesado?

Me temo que he tenido intentos fallidos para poder hacer un transfer de la emulsión a Polaroid o tela. Las fotografías las retoqué digitalmente después de escanear papel tradicional coreano. Me atraían la textura y la tonalidad de este papel. Se podría conseguir un efecto parecido escaneando cualquier otro tipo de papel de textura similar o antiguo.

En tu obra Condensed memory, hay algo enigmático, algo de imprevisible dentro de lo cotidiano. ¿Qué es lo que te inspiró a la hora de fotografiar estas imágenes?

Me estoy centrando en el concepto de límite, concibiéndolo como algo ambiguo e inquieto. En ocasiones siento una presión procedente de un tipo de relación o inquietud que no podría definir correctamente. En realidad, creo que lo más adecuado sería esconderme o huir, pero todo el mundo guarda cosas de las que no quiere hablar, o tiene recuerdos en los que intenta no pensar. Eso mismo me pasa a mí. Trabajo con el concepto de “inquietud”. Por más que el tiempo pase, mis recuerdos afloran y provocan esa inquietud.

Mi acto fotográfico comenzó a raíz de esos recuerdos. El mundo que veo ante mis ojos no es ningún espejo de la realidad, sino un espejo de la inquietud que tengo dentro de mí. Y lo que quiero hacer es reflejar todo ese espejo mediante fotografías. Probablemente mis pensamientos sean imposibles de comunicar porque se tratan de algo íntimo pero, aún así, trabajo en la prolongación de mis recuerdos pasados y espero hallar la respuesta a esa inquietud.

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Díptico de la serie Condensed Memory

Durante 2009 y 2011 participaste en varias muestras en países europeos. ¿Cómo fue la experiencia?

Gracias al profesor alemán Walter Bergmoser, tuve la oportunidad de exponer en Europa con mis colegas Coreanos, algo que supuso una experiencia increíble. Me pareció que las galerías europeas eran mucho más abiertas hacia los visitantes. No estaba familiarizada con eso de contestar preguntas de personas con edades y culturas diferentes a la mía, pero fue muy estimulante.

¿Tienes algún fotógrafo de referencia?

Mis referentes en fotografía son todas aquellas personas que he conocido hasta ahora. En realidad, hasta hace poco, mi mayor referente ha sido este conjunto de piedras apiladas en un charco (ver foto más abajo).

image

De la serie Condensed Memory

¿Qué opinas de la fotografía asiática actual?

Creo que la fotografía asiática es muy progresista, singular y original. Apenas acabo de empezar en esto —llevo menos de 10 años fotografiando— así que no me resulta fácil seguir el flujo de la fotografía asiática, pero muchos artistas asiáticos son unos adelantados a nivel global y están en el punto de mira. Esto demuestra la singularidad de la fotografía asiática actual.

¿Estás trabajando en algún proyecto actualmente? Si es así, ¿podrías adelantarnos algo?

Ahora mismo estoy trabajando en dos proyectos: Acne (a bud) y Travel alcohol (a way to travel).

Me salió acné en el momento en el que empecé a amar. Algo brotó dentro de mi junto con el acné. Me encanta el hecho de que algo salga a borbotones con ansia incontrolable. A través de este trabajo, quiero contener algo que brota, tenga la forma que tenga.

Travel alcohol (a way to travel) es la historia de alguien —tú y yo— al que le gusta viajar y beber. Tengo pensado publicar una pequeña cantidad de fotografías tomadas mientras viajaba con bebidas.

a bud

De la serie A bud

Original en inglés

Interview with Dayoung Kang

강다영 Dayoung Kang was born in 1984 in Hong-Sung, Korea. She is majored in photography and has taken part in several exhibitions in European countries (Finland, Slovakia, Germany).

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Picture from Condensed Memory

Could you please tell us shortly how you started taking photographs?

I’ll skip this question. It actually does not come to my mind.
(Two weeks later)
Ok, I’ve thought about my past for the last two weeks. I am still not very sure, but now I have a lover. There is a chance that I started taking photographs to meet this person. It’s so romantic. I’ve actually always been a romanticist.

Your work Swallow, talks about anonimity / identity. Why don’t you show people’s faces in your photographs?

I understand there are lots of words to describe how I photographed. Yet I did so just because I wanted to. I personally prefer quietness, but showing faces in pictures can be rather noisy. Covering people’s faces soothed myself and made it possible to tell more stories. I am one of those people who find the potential to tell more stories from invisible parts.

Swallow

Picture from Swallow

The pictures in Swallow seem to be printed in fabric or seem to be a Polaroid transfer. I find the results really interesting and I think all our readers would like to know the way you work to get that effect in the post-processing. Could you please explain it to us?

I’m afraid to say that I once failed actually to paste emulsion on a Polaroid transfer and fabric. This work was digitally retouched after scanning the Korean traditional paper. I was attracted to the texture and tone wedge of the Korean traditional paper. Other than the Korean traditional paper, retouching any vintage-style paper would make a similar effect.

In your work Condensed memory there’s something mysterious, something unpredictable inside the everyday life. What moved you to take these pictures?

I’m focusing on the boundary, I mean, something ambiguous and anxious. Sometimes I feel pressure due to the hurt from a kind of relation or anxiety that I can’t define correctly. Actually, I believe it would be better if I just hide or run away. But everyone has something that can’t talk about, everyone has some memories in which they try not to think at all. So do I. I’m working under the theme, ‘anxiety’. Memories pull out them and make anxiety although time goes on.
My photographic act (l’acte photographique) is begun from them. The world in my eyes is not the mirror about reality, but the mirror about the anxiety I can’t define inside me. And I want to take photos from those mirrors. My thoughts may be impossible to communicate because that is a too private action. However, I work on an extension of the memories from the past now, and I hope to solve the answer about my anxiety not cognizable as the act of ‘taking’.

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Diptych from Condensed Memory

Between 2009 and 2011 you took part in several art shows in some European countries. How was the experience?

Thanks to the German professor Walter Bergmoser, I could hold an exhibit in Europe with my Korean friends, which was an amazing experience. European galleries seemed more open to their visitors. Answering questions from people of different ages and cultures from mine was unfamiliar yet very inspiring.

Who is your reference in photography?

My reference in photography is all the people I’ve met so far. In fact, until recently, the biggest impact was from the ‘stone’ pile packed/plugged into a puddle (see picture below).

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Picture from Condensed Memory

What do you think about Asian current photography?

Asian photographers are very progressive, unique and fresh. I’ve just started in photography—for less than 10 years until now—so it is not easy for me to read the flow of Asian photography. But many Asian artists are advanced to the world and staying in the center of focus. This proves the uniqueness of Asian contemporary photography.

Are you working on any project right now? If so, could you tell us something about it?

My new projects are Acne (A bud) and Travel alcohol (way to travel).

I got acne when I started to love. Something sprouting inside me rose with the ‘acne’. I love something that is gushing with an uncontrollable urge. I desire to hold something sprouting, whatever form it may have, in my work. Such work is in process now.
The Travel alcohol (way to travel) project is a story of someone—you and me—who loves to travel and drink. I have a plan to publish a small amount of pictures recorded when traveling with drinks.

a bud

Picture from A bud

Spanish translation

Entrevista a Yoshihiko Ueda

Yoshihiko Ueda nació en Hyogo (Japón) en 1957. A pesar de ser conocido mayoritariamente en su país por su fotografías publicitarias, tiene también una obra personal muy extensa y original. Ha publicado 28 series fotográficas y ha recibido numerosos premios como el Tokyo Art Directors Club Grand Prix, el New York Art Directors Club Photography Award and el Cannes Lions International Advertising Festival Silver Prize for Graphic Design. Su portfolio merece una visita.

Yoshihiko

De su trabajo publicitario en 1992

Tienes un portfolio muy variado y extenso. En él podemos encontrar retratos de celebridades, fotografías familiares e íntimas y reportajes publicitarios. ¿Cómo es compaginar la fotografía publicitaria con tus proyectos artísticos? ¿Te estás centrando más en alguna de las dos actualmente?

Quizá suene un poco raro pero para mi todo forma parte de un único hilo en mi práctica fotográfica. Ahora mismo mi trabajo está centrado en las fotografías pertenecientes a mi proyecto personal Materia. Comencé fotografiando bosques, y he seguido con ríos y con el mar, la forma del proyecto ha ido cambiando constantemente a lo largo del mismo.

Alguna vez has mencionado la gran influencia que ejerció sobre ti la obra de Robert Mapplethorpe. ¿Podrías contarnos cómo fue la experiencia de retratarlo?

Eso fue hace mucho tiempo. Creo que sucedió cuando yo tenía veintitantos. Por aquella época la obra de muchos fotógrafos estaba influenciada de alguna manera por Robert Mapplethorpe, tan fuerte fue su influencia como fotógrafo. Pero ahora estoy en la cincuentena y si tengo que decir si sigue teniendo influencia sobre mi obra fotográfica, la respuesta es no.

Creo que lo retraté hace 27 años. Estaba entusiasmado. Él estaba ahí parado, tranquilamente, frente a mi cámara, sus ojos claros mirando directamente a la lente; parece como si fuera ayer.

robert mapplethorpe

Retrato de Robert Mapplethorpe, 1986 

Dentro de tu obra podemos encontrar dos proyectos basados en bosques: Quinault (1990-1991) y Materia (2012), ambos separados por una década. “Creo que fotografié el bosque como una “fuerza”, una “energía”, algo completamente diferente a fotografiar un escenario”. Esta afirmación tuya respecto a lo que sentiste fotografiando Quinault, ¿podría aplicarse también a tu proyecto Materia?

Pretendo continuar con el proyecto Materia, que empezó hace 20 años con Quinault, fotografiando el bosque como algo viviente. La palabra materia viene del latín y se refiere a la energía de la cual nace la vida. Empecé fotografiando bosques y he continuado con ríos y durante este año, con el mar. Pero la esencia no ha cambiado: una búsqueda para descubrir y expresar la fuerza de la vida a través de la fotografía.

QuinaultDe la serie Quinault

Después de leer tus declaraciones sobre proyectos como Amagatsu o Quinault, me da la sensación de que muchas de estas series vinieron a ti por una fuerza inexplicable, como si estuvieses destinado a hacerlo. Pocos fotógrafos consiguen esa unión espiritual con los sujetos de sus proyectos. ¿Podrías hablarnos un poco sobre de qué manera te influyen todas estas sensaciones a la hora de fotografiar?

En general, creo que se trata de gozo. Y ese gozo surge de la capacidad de estar frente al mundo y abrir el corazón y la mente a sentimientos como el miedo y la felicidad; sentimientos a los que la gente se expone cuando entran en contacto con el flujo invariable e intacto de ese origen, esa belleza y sublimidad que no pueden expresarse mediante palabras.

Materia

De la serie Materia

A nivel individual ha habido dos o tres muestras tuyas en Europa y América, ¿verdad? ¿Por qué crees que tu obra personal no es excesivamente conocida fuera de Japón?

Sí, es verdad.

No sé porqué motivo mi obra no es muy conocida en el extranjero. Quizás uno de los motivos es que no tengo ningún socio que promocione mi obra a nivel internacional. Y tampoco he dedicado mucho esfuerzo a favor de que mi obra sea vista en el extranjero.

¿Qué opinas de la fotografía asiática actual?

No suelo prestar mucha atención al trabajo de otros fotógrafos, así que no sé mucho sobre fotografía contemporánea en Asia.

¿Podrías adelantarnos algo de tu próximo proyecto?

Como he dicho antes, sigo haciendo fotografías para la serie Materia. Y estoy preparando Materia River y Materia Sea para su inminente exposición esta primavera en Tokyo.

Shimae

De la serie Shimae

Puedes leer la entrevista original en inglés aquí.

Interview with Yoshihiko Ueda

Yoshihiko Ueda was born in Hyogo (Japan) in 1957. Even though he’s a well-known advertising photographer in his country, he also has an original and vast personal work. He has published 28 collections of photographs and has received many awards including the Tokyo Art Directors Club Grand Prix, the New York Art Directors Club Photography Award and the Cannes Lions International Advertising Festival Silver Prize for Graphic Design.

Yoshihiko

Picture from his advertising works in 1992

Your portfolio is rich and varied. We can find celebrities’ portraits, intimate family pictures and advertising photographs. How do you combine advertising photography with your personal projects? Are you focusing more on one of those at the moment?

It probably sounds a bit strange, but with respect to my personal projects, I feel that for me it’s all part of the single thread of my photographic practice. My focus these days is on photographs in the Materia series of my personal works. These images began from my photographing of forests, then moved on to rivers, and the sea, steadily changing form along the way.

You have mentioned that your photography was very influenced by Robert Mapplethorpe’s work. Could you tell us how was the experience of portraying him?

That’s such an old story now. I think it was when I was in my mid-20s. In those days many photographers were affected by the influence of Robert Mapplethorpe in one way or another. That’s how tremendously influential he was as a photographer. But now I’m already in my mid-50s, and if I have to say whether that influence is in my photography now, the answer would be no. I believe it was 27 years ago that I took his portrait. I was overjoyed. And it still seems like yesterday that he was standing there quietly in front of my camera, his limpid eyes looking directly into the lens.

robert mapplethorpe

Portrait of Robert Mapplethorpe, 1986.

In your photographic work we can find two projects located in forests: Quinault and Materia. “I do believe I photographed the forest as a ‘force’, something completely different than merely shooting scenery”. These words of you explaining how you felt when portraying the forest in Quinault, could be also useful to explain the way you felt for your project Materia?

I intend to carry on with my Materia project, which began with Quinault when I photographed the forest as a living thing, and continuing for more than 20 years. The word comes from Latin and refers to the energy from which life is born. Starting with forests, it has moved on to rivers and sea this year. But it hasn’t changed in the fundamental way that it is still seeking to discover and express in photography the original life force.

Quinault

Picture from Quinault

After reading your statements on Amagatsu or Quinault, I have the sensation that many of your projects came to you led by some kind of inexplicable force, just as if you were destined to make them. Few photographers get that spiritual connection with their projects’ subjects. Could you tell us in what sense those feelings influence you when taking photographs?

Generally speaking I feel that it’s joy. And that joy arises from being able to stand before the world and open one’s heart and mind to the feelings of fear and happiness that people are exposed to when they come into contact with the unchanging, unbroken flow of that origin in physical form, that sublimity and beauty that words cannot express.

Materia

Picture from Materia

You’ve made few solo exhibitions in Europe and America, only two or three, is it right? Why do you think your work is not so known outside Japan? 

Yes, you’re right.

I don’t really know the reason my works aren’t so well known overseas. Perhaps one thing is that I haven’t got any partner strongly promoting my photographs around the world. And I haven’t been devoting my own energy to positive action to have my works seen overseas.

What do you think about Asian current photography?

I don’t actually look at other photographers’ work that much, so I don’t know much about contemporary photography in Asia.

Could you please tell us something about your next project?

As I said before, I’m continuing to take photographs for the Materia series. And I’m progressing with preparations for M.River and M.Sea to be exhibited in Tokyo this spring.

ShimaePicture from Shimae

Entrevista a Ken Kitano

Ken Kitano es un fotógrafo japonés nacido en Tokyo en 1968. Sus fotografías se caracterizan por ser el resultado de múltiples exposiciones. Esto es lo que dice Ken sobre la fotografía:

Me interesa el potencial que tiene la fotografía para hacer que las personas experimenten otros mundos (lejanos a su realidad). Cómo, por ejemplo, al ver fotos antiguas podemos situarnos inmediatamente en la escena. Si la fotografía puede contribuir un poco más a que los humanos tengamos ese sentimiento solidario de “estar ahí” -lo que yo llamo “empatía espontánea” hacia otros y hacia el mundo-, es una buena razón para su existencia […]

34 personas atendiendo al oficio religioso en la mezquita de Dhaka, Bangladesh, 2009.

Retrato de 34 personas atendiendo al oficio religioso en la mezquita de Dhaka, Bangladesh, 2008.

¿En qué momento decides fotografiar?

Cuando estaba en el instituto; tenía 14 o 15 años. Mi hermano me recomendó comprar una cámara, pero yo no estaba interesado en las cámaras, simplemente me interesaba la fotografía. Después, comencé a ir a la biblioteca, donde encontré libros muy buenos de algunos fotógrafos importantes como: Ikko Narahara, Eiko Hosoe, Daido Moriyama, Ken Domon, Berenice Abbott, Duane Michals, … Ahí fue cuando decidí coger una cámara y fotografiar.

Poca gente habla de tu proyecto México. En los años 90 viajas allí y fotografías las pinturas murales de algunos de los máximos exponentes del muralismo mexicano como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. ¿Por qué éstas fotografías de murales?

Me fui a fotografiar los murales porque siempre habían sido un referente para mí. Mi trabajo está muy influenciado por la pintura mural mexicana de los años 20: Diego Rivera, Jose Clemente Orozco, … Ellos reflejaban el paso de muchísima gente en una sola imagen. Yo hago lo mismo.

En City Flow and Fusion la multitud se convierte en un rastro de luz, cada individuo pierde un poco su identidad y acaba disolviéndose en el todo. En Our Face, superpones negativos formando una imagen única en la que el individuo resultante es la suma de muchos. ¿Crees que en el mundo actual es difícil que cada individuo conserve su singularidad?

Para mí es más importante presentar el “todo” que hay en nosotros que mostrar las diferencias entre individuos. Mi objetivo no es mostrar la singularidad de cada individuo sino descubrir el valor de la existencia como un todo. 

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De la serie México, depuradora del río Lerma, Ciudad de México. Diego Rivera.

¿Puedes contarnos un poco cómo es tu trabajo en el laboratorio?

El trabajo en el laboratorio es muy minucioso, no puedes permitirte ningún error. El proceso de producción de Our Face fue muy largo, implicaba proyectar negativos sobre papel, uno a uno.

En mi estudio de Tokyo, sólo puedo trabajar con papel fotográfico de 27 x 35 cm. Pero en 2009 el director del Three Shadows Photography Art Centre en Beijing me ofreció su ayuda para producir Our Face. Es uno de los pocos centros en el mundo equipados para la producción desde negativo a gran formato. Los formatos de impresión resultantes fueron de 142 x 178 cm.

Por la mañana hacía pruebas de todos los negativos en papeles pequeños, probaba diferentes tiempos y contrastes y hacía algunas proyecciones contra la pared. Después de comer hacía la copia definitiva. Pegaba el papel fotográfico a una especie de caballete de aluminio, lo cubría con una cortina blackout y después proyectaba el negativo sobre él. Después, con la ayuda de otras tres personas, ajustábamos el caballete y la ampliadora hasta que coincidieran con nuestras marcas. Una vez que lo teníamos todo colocado, quitábamos la cortina blackout y proyectábamos el negativo. Después volvíamos a cubrirlo con la cortina, y así una y otra vez, en la oscuridad. Al principio tuvimos algunos fallos, pero durante la segunda semana de producción ya teníamos el retrato de la geisha acabado.

Sigues trabajando en analógico a pesar de que cada vez más fotógrafos optan por el digital. ¿Cómo crees que serían tus resultados fotográficos si trabajaras en digital?

Llevo fotografiando desde los años 80 así que estoy muy acostumbrado a trabajar con las sales de plata. Prefiero trabajar en analógico a depender de los ordenadores. Sin embargo, pienso que la tecnología digital tiene posibilidades. En un futuro, intentaré hacer algún proyecto en digital, ¡veremos cómo queda! 

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De la serie City Flow and Fusion. Tokyo, 1990.

Our face es un proyecto abierto, en constante expansión; ¿cuándo tienes pensado empezar con los otros continentes?

Ya he terminado de fotografiar en Asia. Ahora estoy preparando el libro Our face: Asia, que lo publicará en Japón la editorial Seigensha Co. en marzo. Este año voy a empezar a hacer las fotografías de Norteamérica. Después iré a Sudamérica y América central, y acabaré en Europa y África. Algún día espero tener material suficiente que nos permita visualizar la forma en la que todos estamos relacionados en este mundo.

¿Tienes algún fotógrafo de referencia?

Tengo mucho respeto por Ikko Narahara, un antiguo fotógrafo japonés de la misma generación que la artista Tomoko Sawada. Ella también hace retratos. También me gusta mucho Hiroshi Yamazaki, cuyas obras también tratan del tiempo y el espacio.

¿Qué piensas de la fotografía asiática actual?

Creo que el panorama fotográfico asiático actual es muy activo. He formado parte de algunas exposiciones en India, Hong Kong y la mayor parte de China, y en todas ellas he tenido respuestas muy activas y favorables.

En Japón siempre ha habido mucha actividad y muchos movimientos fotográficos, mientras que otras partes de Asia que antes estaban “dormidas” han experimentado un gran desarrollo de la fotografía en los últimos 10 años. Tengo curiosidad por ver a dónde nos llevarán todos estos avances.

Retrato de 30 geikos y maikos bailando el Special Kyo Dance, Kyoto, 2003.

Retrato de 30 geikos y maikos bailando el Special Kyo Dance, Kyoto, 2003.

Entrevista a Guan Zitian

管子天 Guan Zitian nació en 1978 en una aldea en el norte de China. En la actualidad trabaja en Beijing como director de documentales y fotógrafo freelance. Algunas de las pocas palabras suyas que podemos encontrar en la red, pertenecen a su declaración de artista:

Purposeless.
Not for fortune nor for fame.
Shooting no beggars.
Shooting no handicapped.
Shooting no reluctant subjects.
Neither recording misfortune of life, nor violating the privacy of others.
Only reveling in an affection to nature and the sensations of life.

(Ni para la fortuna ni para la fama. / No fotografío mendigos. / No fotografío discapacitados. / No fotografío temas llamativos. / No para registrar las desgracias de la vida o violar la privacidad de otros. / Sólo para complacerme en el cariño por la naturaleza y las sensaciones de la vida.)

No hay mucha información sobre ti en internet. ¿Puedes contarnos brevemente cómo fueron tus inicios en la fotografía? ¿Te formaste como fotógrafo o eres autodidacta?

Creo que el hecho de fotografiar es algo muy personal. Normalmente suelo rechazar casi todas las invitaciones que me envían a eventos y concursos fotográficos.

Era mal estudiante y nunca fui a la universidad. Creo que la fotografía no tiene porqué estudiarse, pero sí requiere de alguien sensible y anhelante.

Quería sacar fotos porque deseaba tener una cámara. Para mi familia era un lujo tener una, así que durante mi infancia solo pude hacer un par de fotos. Más tarde compré una cámara compacta digital, con la que empecé a hacer fotos diariamente de la gente de mi alrededor. Con el tiempo, todo el mundo comenzó a decirme que era bueno en eso de hacer fotos. Por aquella época yo ni siquiera sabía lo que era una cámara profesional.

Shooting no beggars. Shooting no handicapped. Shooting no reluctant subjects. Neither recording misfortune of life, nor violating the privacy of others.” Éstas son algunas de las palabras que podemos leer en tu declaración de artista. ¿Por qué decides no retratar esa parte no tan “bonita” de la vida?

Personalmente, no quiero forzarme a mi mismo ni quiero forzar a otros.

En lo profundo de mi ser, admiro los ambientes melancólicos y desesperados, que no tienen porqué relacionarse necesariamente con la gente pobre. A pesar de ello, prefiero expresarme de forma velada. Respeto a las personas y sus sentimientos. La gente forma parte de mi trabajo, no quiero que mis fotografías supongan otro sufrimiento más añadido.

En tu obra abundan los retratos de niños en un entorno rural. ¿Qué hay de ti en estas fotografías?

Una vez decidí volver a mi aldea natal. Me desilusionó el hecho de ver cambios significativos. Cada vez había menos niños, y por tanto, menos vitalidad. Desde ese momento decidí volver para hacer fotos a los niños. En realidad lo que estaba haciendo era fotografiar mi propia infancia, mi nostalgia de aquella época. Aunque sé que ya pasó, todavía me cuesta dejarlo ir y pasar página.

¿Te has encontrado con problemas a la hora de fotografiar a ciertas personas, los niños, por ejemplo?

Lo más difícil sin lugar a dudas es mi pereza y mi procrastinación. Lo demás no es ningún problema. Hay demasiadas cosas que distraen mi atención.

En tu vertiente paisajística nos muestras grandes extensiones de terreno desnudo, la mayoría de las veces de entornos rurales. ¿Te interesa más mostrar esta China que la de las grandes ciudades?

Quizá es porque me gusta la sensación de libertad que da la extensión de un horizonte ilimitado. Sin embargo, cuando estoy en situación, siento que cada vez estamos más perdidos, solos, desesperados e ignorantes.

La verdad es que el ritmo de la construcción en China se ha disparado, pero para mi sigue siendo algo fallido. Los cambios temporales inesperados que están asimilando las ciudades chinas están provocando que pierdan su identidad. De hecho, una vez intenté hacer un resumen grabado para explorar este tema, pero no soy muy fan de sumergirme en la ciudad. No quise forzarme a meterme en eso.

¿Cómo compaginas el vídeo y la fotografía? ¿Hay algún medio que te guste más que otro? 

Soy director y así es como me gano la vida. Es algo que tengo que hacer, me guste o no. Pero la fotografía es otra historia, es lo que amo realmente. Por eso hago fotos sólamente de lo que me gusta (nunca para satisfacer mi reputación o mi propio beneficio).

¿Tienes algún fotógrafo de referencia?

No conozco muchos fotógrafos, y tampoco soy muy entusiasta de ver trabajos de grandes autores. Mis grandes influencias son la poesía, la literatura y el budismo.

Creo que la reflexión sobre la realidad y la vida es mi mejor mentora.

¿Qué opinas de la fotografía asiática actual? 

Tengo un conocimiento muy limitado de los círculos fotográficos. Sin embargo, he visto algunos trabajos de fotógrafos contemporáneos en Internet. Muchos de ellos están limitados por la fotografía en sí misma, en lugar de utilizarla como una herramienta para pensar.

Para mi hay dos niveles de fotografía. El primero supone simplemente un festín para la vista, y el segundo se sumerge en tu corazón.

Todas las técnicas se vuelven lamentables y triviales con el tiempo.

El tiempo filtrará todo y hará que se quede lo clásico.

Puedes leer la entrevista original en inglés aquí.

Interview with Guan Zitian

管子天 Guan Zitian was born in a small village in the north of China, in 1978. Now he is a documentary director and freelance photographer based in Beijing. His artist’s statement is one of the few things we can find about him on the Internet:

Purposeless.
Not for fortune nor for fame.
Shooting no beggars.
Shooting no handicapped.
Shooting no reluctant subjects.
Neither recording misfortune of life, nor violating the privacy of others.
Only reveling in an affection to nature and the sensations of life.

We can’t find much information about you on the Internet. Could you please tell us shortly how you started taking photographs? Did you study photography in school or on your own?

I think taking photos is a very personal thing. I refuse almost all the invitations of photography events and contests.

I was a bad student and I never went to university. Photography doesn’t require education, but it needs a sensitive and desired heart.

I wanted to take photos because I desired a camera. It was a luxury for our family to possess a camera, and during my whole childhood I had only taken two photos. Later I bought a small 4mega pixel digital camera, with which I shot people around me everyday. Eventually everybody said I was good at taking photos. At that time, I didn’t even know what a professional camera was.

Shooting no beggars. Shooting no handicapped. Shooting no reluctant subjects. Neither recording misfortune of life, nor violating the privacy of others.” We found these words on your Flickr page. Why did you decide not to portrait this part of the life that could be  “not so beautiful”?

Personally, I don’t want to be forced, neither do I desire to force others.

From bottom of my heart, I admire desperate and melancholy atmosphere, which is not delivered bluntly by the miserable people in life. Instead I prefer veiled expression. I respect individuals and their feelings. People is a part of my work, and I don’t want my shooting to become one of their miseries.

In your photographic work, we can find portraits of children from rural environment. What can we see or learn about you in these photos?

Once I went back to my hometown. I was disappointed to find significant changes that have taken place. Less and less kids were there, and there is less and less vitality. From then on, I went to shoot these children. I was actually shooting my own childhood, my nostalgia.

Although I know all is gone, I am still reluctant to let it go.

Did you find problems when taking pictures of certain kind of people, the children, for instance?

The most difficult part is undoubtedly my laziness and procrastination. The rest is not a problem. There are too many things distracting my attention.

When you take pictures of landscapes, you show large pieces of land, and most of the times they are rural and lonely places. Do you prefer showing these areas of China rather than big Chinese cities?

Maybe it’s because I love being free, and a stretching boundless horizon. However, when I am truly in this situation, I find that we are lost, becoming more lonely, desperate and ignorant.

Admittedly, the pace of urban construction in China has been on a rocket, yet it’s a total failure. The unexpected change of time assimilates Chinese cities, causing them to lose their characters. Once I indeed made a brief trying to explore this issue by filming, but I was really not a fan of shuttling in the city. I don’t want to force myself into that.

How do you combine video and photography? Which of them do you like the most?

I am a director and that’s how I earn my living. It’s something I have to do, no matter I love it or not. But photography is a different story. it’s my true love. That’s why I only shoot what I like when taking photos (never to cater to reputation or benefit)

Who is your reference in photography?

There are not many photographers that I know, neither I am keen on watching big-name works. What influence me most are poems, other literature and Buddhism.

I believe reflection upon reality and life is my best mentor.

What do you think about Asian current photography?

I have limited knowledge about the photography circle. However, I have seen some works by modern-day photographers on Internet. Many of them are limited by the photography itself, instead of striding it as a tool to think.

To me there are two levels of photography. The first level remains a feast for eyes and the second level dives deeply into your heart.

All the techniques become embarrassing and trivialized in the eternity of time.

Time will filter everything out and leave the classics.

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